Je viens finir l’installation d’une exposition de mi-DSRD (Diplôme Supérieur de Recherche en Design) dans la galerie de l’ESAD Orléans où j’étudie et enseigne. Elle sera visible jusqu’au 3 mars, dans les horaires d’ouverture de l’école. Le travail de recherche en création du collectif Kairos formé par Eva Vedel et Amélie Samson y est également présenté. J’ai voulu montrer les différentes étapes de conception et de création des albums, afin de mettre en évidence la dimension artisanale qui n’est pas évidente lorsque l’on voit l’objet fini.
Les matrices (ou typons) ayant servi à réaliser les images des albums sont épinglées au mur. Ce sont eux les vrais originaux, l’image finale étant uniquement réalisée à l’étape du traitement numérique puis de l’impression. J’ai utilisé des épingles de coutures qui ne sont malheureusement pas très résistante mais qui permettent de rendre compte de la fragilité des feuilles non-encadrées telles que je les vois la plupart du temps. Cela permet de ne pas trop élever artificiellement une étape intermédiaire du dessin tout en la rendant visible.
La composition au mur s’inspire de la manière dont je visualise la totalité de l’album à l’étape du croquis. Afin d’avoir une image physique du chemin de fer, je place au sol ou sur mon lit les planches pour avoir une idée de l’articulation de l’ensemble et des doubles-pages. Ici, j’ai choisi de montrer les dix premières doubles-pages des cinq livres publiés. Nilou et Afia sont montrés à l’étape du croquis élémentaire où l’on peut encore voir les multiples hésitations de poses ou de décor ainsi que les ébauches des textes. Ce sont des feuilles de papier recyclé. Neso est montré à l’étape de l’esquisse, qui me permet de fixer les traits “finaux” en vue de la réalisation des matrices. C’est à cette étape que je donne des indices de couleur qui vont guider mon découpage en couches lors de la mise en calque. Oola et Bibir sont montrés à l’étape finale selon deux modalités différentes: J’ai sélectionné quelques calques de chaque image d’Oola tandis que j’ai superposé les quatre calques pour els images de Bibir. Un espace lecture et rangement met à disposition les cinq premiers albums consultables sur place. Les cubes de bois ont été réalisés à l’école et peints en cyan, magenta et jaune pour les signaler sur le sol gris. J’aurais voulu placer un tapis pour délimiter le sol mais les catalogues de fournitures en matériel périscolaire ne m’a pas convaincue tandis que les éditeurs grand public ne sont pas assez sobres. La petite taille des cubes invite les visiteurs adultes à se rapprocher de la position d’un enfant, pour qui la lecture est souvent une occasion de s’étaler sur le sol. Grâce à l’éditrice Céline Ottenwaelter, j’ai pu exposer de nombreux documents témoignant des nombreuses modifications de texte et d’image tout au long de la production de l’album. Les épreuves abondamment annotées des albums sont également visibles, ainsi que des impressions de mails. J’ai souhaité mettre en évidence de manière linéaire l’articulation entre les outils numériques et leurs tâches spécifiques (smartphone, tablette ou encore ordinateur) dans la chaîne de création. Je montre le travail des matrices par superposition de calques à l’aide d’une tablette lumineuse. Chaque étape est accompagnée d’un cartel expliquant en premier l’action réalisée de manière générale (qui pourrait être commune à tout illustrateur au-delà de sa technique propre) puis en gras la manière concrète que j’ai mis en place. Le site Dollar Street, un outil de visualisation des inégalités dans le monde que j’ai utilisé dans la composition des mes images sur la recommandation d’Esther Duflo, est consultable sur une tablette. Les multiples recherches préliminaires de personnage et d’univers sont accompagnées des carnets de croquis qui me servent à élaborer les storyboards.
Références
Site du projet Kairos: http://occ.esadorleans.fr/blog/2020/11/21/projet-kairos/
Site Dollar Street: https://www.gapminder.org/dollar-street
Le Seuil jeunesse a réalisé un PLV (Publicité sur Lieu de Vente) pour la série. Cet outil marketing sert à isoler le produit au sein de la librairie afin de focaliser l’attention de l’acheteur indécis. Il met en avant les caractéristiques essentielles du produit tout en soulignant sa cohérence.
Ils sont entre nos mains, en rayon, sur les étagères des libraires et désormais sous d’autres paires d’yeux que les nôtres. Cinq petits albums, 250 pages tombées début automne sur le vaste champ éditorial de la rentrée. Après les avoir accompagnés début septembre à travers une semaine bien médiatique dans la presse adulte, nous continuons à les porter ensemble ces jours-ci dans la sphère plus spécifique de la littérature jeunesse (mais pas que). Cette portance collective, où autrice, illustratrice, éditrice, attachée de presse, équipe commerciale, libraires et bien d’autres accompagnent le livre vers son public, fait partie intégrante du processus de création d’un album. Elle se trouve condensée de manière particulièrement juste dans notre cas à travers le terme conférence (du latin -cum + -fero = porter ensemble). Il en a eu quelques unes en effet, devant des petits et des plus grands.
Leçon inaugurale et cours au Collège de France
Diapositive de fin de la leçon inaugurale d’Esther Duflo. Les images extraites de l’album commencent à acquérir de nouvelles significations dès leur publication et leur extraction vers d’autres usages. Ici, la planche de l’album 7 montre les villageois qui adoptent de nouvelles techniques agricoles pour améliorer leur production. Placée sous la citation de John Maynard Keynes, elle acquiert un autre niveau de signification: la posture du groupe de villageois la tête penchée et concentrée sur chaque légume souligne l’humilité désirée par l’économiste. Le tuyau d’arrosage au goutte-à-goutte fait quant à lui référence à la figure de l’économiste comme plombier, souvent convoquée par Esther Duflo et probablement dérivée de l’économiste-dentiste souhaité par Keynes.
15 ans après sa première chaire intitulée Savoirs contre pauvreté, tenue en 2008-2009, Esther Duflo occupe cette année la chaire Pauvreté et Politiques Publiques au Collège de France. Pour sa leçon inaugurale, elle a imaginé une approche bien singulière au sein de cette prestigieuse institution du savoir académique français: utiliser des images destinées aux enfants pour illustrer son cours. Je lui ai donc fourni les images de tous les albums, qu’elle a intégré aux diapositives de sa leçon. Elle a même poussé le raisonnement plus loin et a calqué la progression de sa série de cours sur la trame narrative de la série d’albums. Chaque cours correspond ainsi aux thématiques abordées dans les livres que nous venons de publier. Loin de les utiliser comme simples agréments au cœur d’un propos scientifique complexe, elle m’a également demandé de lui procurer un modèle de diapositive basé sur la mise en page des albums.
J’ai commencé à trier les lignes par degré d’ondulation pour pouvoir, à la fin de la série, établir une typologie des différentes lignes utilisés et la façon dont la courbe raconte une partie de l’histoire.
Le cours original proposait 3 types de contenus différents: des visuels (diagrammes, graphiques, tableaux, cartes du monde), du texte et des pages-chapitres. Les titres variant en longueur, j’ai laissé un large espace sous la ligne afin de pouvoir placer deux lignes de texte en corps 24. J’ai fourni 13 lignes pour le premier album, que l’assistante d’Esther a ensuite réutilisé selon l’espace disponible que permettait la ligne et le type de contenu à présenter. Les lignes plates ont ainsi permis de mettre en page les images et les textes longs. Les lignes plus courbes ou crénelées ont plutôt accueilli des questions ou points forts du cours.
J’ai ainsi extrait, pour le premier cours sur l’éducation, toutes les lignes présentes dans le premier album de Nilou, pour les appliquer à un format standard Google Slide. Après avoir eu accès à l’ensemble de ses diapositives (réalisées selon le modèle standard fourni par J-PAL, son laboratoire de recherche), j’ai pu faire une proposition de mise en page qui convienne à la diversité des contenus afin de faciliter la transposition d’un modèle à un autre. Son assistante a ensuite rationalisé l’ensemble des diapositives pour rendre le tout cohérent visuellement.
L’effet projeté sur très grand écran dans la salle Marguerite de Navarre est, je dois l’admettre, assez satisfaisant. Non seulement parce que c’est une surprise totale que je n’avais pas envisagée et qui a entièrement été le fait d’Esther Duflo, mais surtout car la superposition des graphiques et des lignes met en avant de manière frappante le lien visuel que j’ai voulu tendre dès la conception des livres entre l’esthétique des albums et les graphiques utilisés en économie. Esther Duflo va même jusqu’à lire le texte et les bulles à voix haute, comme si elle lisait à des enfants … Jusqu’au passage très drôle où elle lit une page de l’album Nilou où la maîtresse dit : “Répétez après moi. la gram-maire est im-por-tante” , et les enfants répètent malicieusement: “ Ma grand-mère est un peu lente”) face au parterre de crinières blanches et argentées venu assister à son cours …
L’image présentée est extraite d’un jeu mathématique élaborée par J-PAL pour permettre l’évaluation de compétences mathématiques des élèves. Esther Duflo et l’équipe indienne avec qui elle a développé le jeu me l’ont présenté il y a 3 ans lors d’une rencontre à Goa. Je m’en suis notamment inspirée pour concevoir l’univers visuel de la série à partir de formes géométriques.
Mais au-delà du premier rire général jamais entendu au Collège de France, il me semble que son choix d’intégrer des images d’albums pour enfants à une présentation scientifique, non pas comme annexe tendre et plaisant à un propos plus sérieux mais comme véritable outil de structure de son propos et vecteur de connaissance, est particulièrement fort. Elle l’exprime clairement au début de son cours: écrire pour les enfants lui demande la même exigence et la même clarté de propos que la conception d’un cours au Collège de France. Si l’idée de prendre les enfants au sérieux est souvent répétée, il me semble qu’elle est paradoxalement assez peu mise en pratique dans un cadre aussi rigide. Entre l’entrée de Benoît Peeters dans la chaire Création artistique et la présence d’ albums pour enfants au Collège de France, irions-nous à pas de loups vers une légitimation du dessin narratif au sein du milieu académique ?
Rencontres à Folies d’Encre
Une seconde conférence a eu lieu, dans l’espace moins prestigieux certes, mais non moins chaleureux de la librairie Folies d’Encre située à Montreuil. Nous avons été invitées à venir parler des albums pour un public d’enfants dans un premier temps puis un public adulte. Yvonnick, le libraire spécialisé jeunesse, a demandé en amont aux enfants inscrits de poser leurs questions. Il a construit la rencontre autour de celles-ci et a largement laissé la parole aux enfants. Nous avons été impressionnés par l’acuité des questions posées, dont certaines sous-entendaient une compréhension très fine des enjeux actuels liés à la pauvreté. Nous avons joué le jeu et majoritairement demandé aux enfants de formuler des réponses aux questions qui nous étaient posées. À l’issue de la rencontre, j’ai fait une dédicace, exercice pour lequel je ne suis pas encore bien au point. J’ai l’habitude de faire de multiples croquis et ratures pour obtenir le résultat net qui me plaît, et la rapidité de l’exercice me force à produire un dessin plutôt médiocre.C’est pourtant souvent un plaisir pour de nombreux illustrateurs qui y voient un temps de discussion unique avec de vrais lecteurs et un exercice de dessin que la contrainte rend stimulant. Si j’ai le temps, il me faudra penser à faire des tampons comme me le suggère l’éditrice, et qui semblent assez efficaces.
Nous sommes ensuite descendus à l’étage inférieur de la librairie où, face à un public adulte, les libraires de la section jeunesse et de la section sciences sociales nous ont interviewé. Si au départ, de nombreuses questions sur la série étaient adressées à l’une ou à l’autre, nous avons vite pris l’habitude de répondre ensemble ou du moins en dialogue, sauf bien sûr sur les questions spécifiques à nos domaines respectifs.
La rencontre s’est terminée autour d’un pot, et d’une discussion sur l’accessibilité de cette librairie, portée par l’envie d’en faire un lieu de passage connecté avec le quartier populaire dans lequel elle s’insère. La librairie oscille donc entre une volonté de proposer une offre de qualité sans pour autant être intimidante, et veut conserver un choix éclectique pour tous les publics. Je repars avec un ouvrage sur L’aventure politique du livre jeunesse de Christian Bruel, paru aux Éditions La Fabrique.
Discussion dessinée au Salon du Livre Jeunesse de Montreuil
Nous avons participé au lancement du SLPJ 2022 en nous adressant sous la forme d’une conférence dessinée à une centaine d’élèves de CM2 et de 6ème. La question de la mobilité, de la ville et des déplacements étant au cœur du programme de ces classes, et le thème du festival cette année étant Désirs de mondes, nous avons orienté la discussion autour du troisième album de la série. Celui-ci raconte et montre la migration économique de Neso et son ami Najy depuis le village vers la ville, et les multiples résistances qu’ils rencontrent lors de ce périple. Nous avons travaillé la rencontre en amont avec l’éditrice et Esther Duflo, afin d’articuler les questions autour du travail sur la série en général mais aussi autour des préjugés liés à la migration. À l’exception d’un micro-concert dessiné à 2h du matin lors d’une soirée électro au fin fond des bois basques il y a 5 ans, je n’avais jamais réalisé de dessin filmé et projeté en live.
L’image fonctionne en miroir: d’un côté, on voit la vie au village où se situe la sécurité du foyer, la présence de la famille mais aussi les difficultés agricoles et alimentaires. Ainsi, le personnage de Neso (à gauche), regarde avec envie la vie en ville, promesse d’argent, de rencontres, de progrès technologique et d’emploi. Au contraire, Najy (à droite), regrette le réconfort familier associé à la campagne face à la dureté des conditions de travail et l’hostilité présente en ville.
Pour l’occasion, j’ai donc décidé de réaliser une nouvelle image qui permettait de condenser le propos de la rencontre. Il s’agit d’une image-résumé de l’histoire et des enjeux, où je scinde l’espace en deux entre ville et campagne, montrant les personnages ambivalents sur leur désir de partir et leur désir de rentrer, l’attraction de la ville mais aussi le désir de retrouver ses proches. Non sans arrière-pensées, la création de cette image me servira prochainement à structurer mon propos dans la perspective d’un appel à communication formulé par la revue Strenae, sur la thématique de la ville et l’enfant. À l’occasion de l’atelier de l’Afreloce dont est issu cet appel, j’avais en effet été sensible à la communication de la chercheuse ivoirienne Nadia Bangui, dans sa mise en évidence de la distinction nette entre le village et la ville dans les albums pour enfants ivoiriens. Notre série reposant fondamentalement sur cette tension entre ville et village, il me semble important de commencer à structurer un article autour de ce sujet.
Dans un souci de lisibilité, je me suis également concentrée sur l’étape de dessin la plus attractive cinématographiquement: Celle de l’esquisse, qui offre la spontanéité du croquis de recherche sans trop d’aléatoire et qui conserve la clarté et la satisfaction du dessin final sans la longueur et la précision qui ne le rendent pas particulièrement attractif.
L’avantage du dessin est qu’il captive totalement l’attention des élèves et tempère leur agitation liée à la sortie scolaire. Ils sont également ravis et excités à l’idée de parler au micro: L’éditrice a donc raccourci notre temps de parole pour laisser un temps plus large aux questions. Elles ont été nombreuses et ont beaucoup porté sur le travail de dessin: La création de personnages mais aussi celle d’un univers imaginaire. Ayant effectué plusieurs croquis de test sur cette même image, j’ai laissé avec plaisir un enfant repartir avec le dessin à la fin de la rencontre.
Musées & compagnie
Chaque visite à Paris fait l’objet d’une recherche intense dans le domaine des expositions disponibles afin de fournir en nouvelles idées les mois suivants passés à la campagne.
J’attendais depuis longtemps l’ouverture au Musée des Arts Décoratifs de l’exposition sur le graphiste et éditeur Etienne Robial, dont le vocabulaire graphique (et géométrique) limité et les recherches formelles m’inspirent profondément. La première partie de l’exposition met en avant le travail d’édition chez Futuropolis et notamment l’attention portée par le graphiste aux aspects techniques de la production du livre: le sens du papier, les trames de demi-teintes, l’utilisation du système d’impression Benday, la cohérence visuelle d’une collection, etc. Elle me donne des idées pour la présentation de mon travail lors d’une prochaine exposition à l’ESAD d’Orléans en février. Les croquis typographiques et son travail autour de l’alphabet me donnent également envie de réaliser l’alphabet entier de la typographie que j’ai créé pour les titres des albums. L’exposition verticale des nombreux outils est très esthétique et convaincante: Elle évoque un travail quasi scientifique du graphiste, dans l’expérimentation de la lisibilité des accords colorés par exemple. Une démarche expérimentale et fondamentale plus poussée dans la dernière partie de l’exposition, avec les travaux autour des formes simples qu’il donne à ses élèves de l’école d’art privée Penninghen. Au milieu de l’exposition, un mini-atelier propose de réaliser des alphabets avec des formes simples sur une grille préétablie, à destination des enfants notamment. Cet exercice fait écho au Carnet d’Exploration Graphique édité par les éditions B42 que j’ai acheté aux Puces de L’illustration. Situées au sein du Campus Fonderie de l’Image, elles fêtaient leurs 10 ans ce week-end-là. J’y ai revu Léa Murawiec, ancienne camarade de l’école Estienne et autrice de la fantastique BD Le grand vide publiée en 2021 aux éditions 2024. Elle tenait le stand de l’association Le Flûtiste dans laquelle elle est active. J’en ai profité pour intégrer à mon corpus d’albums sur la pauvreté l’album Le ciel est en feu de Tom Vaillant (un autre camarade d’Estienne) qu’ils viennent d’éditer.
Je visite également l’exposition Sur les routes de Samarcande à l’Institut du Monde Arabe, où sont visibles de splendides tapis de style suzani, reconnaissables à leurs grandes fleurs rouges brodées. Les voir en vrai permet de se rendre compte de l’importance de l’orientation des aplats réalisés à l’aiguille, qui réfléchissent la lumière différemment selon leur direction et la manière dont ils ont progressivement rempli la forme de contour. Cette tension entre un aplat pur et un aplat de couleur vibrant se retrouve dans le dessin au crayon en particulier.
On retrouve cette vibration dans le travail de broderie des créations textiles des femmes afghanes exposées au musée Guimet dans l’exposition Sur le fil, qui met en avant le travail de la maison de couture Zarif Design crée en 2005 à Kaboul. Nous visitons également l’exposition Afghanistan, ombres et légendes, qui présente les découvertes archéologiques réalisées au XX ème siècle. Si les détails subtils apportés aux plis des ventres peints me fascinent, ils n’occultent pas la tragique destruction d’une partie de ce patrimoine par les talibans en 2001. Je retrouve dans la librairie la bande dessinée Kaboul Disco de Nicolas Wild, rencontré en mars dernier à Kolkata.
Enfin, l’exposition des albums édités par MeMo à la médiathèque Françoise Sagan me donne également de nouvelles idées d’affichage, notamment celle des planches de calage des impressions ou encore des pochoirs qui ont servi à réaliser les images de Nathalie Parain. Je retrouve avec plaisir le travail sur les livres d’artistes de la maison d’édition nantaise, sur lequel je me suis penchée lors de mon mémoire de master. Les fonds d’archives du Fonds Patrimonial Heure Joyeuse, situés à la Médiathèque, appellent de nombreuses autres visites lors d’après-midi pluvieux.
Atelier participatif au Forum climat du centre Pompidou
Cette interview a été réalisée par un journaliste du quinzomadaire Society, connu pour ses approches décalées de l’actualité, plus “cool” que les magazines traditionnels. Les questions sont en effet déconcertantes au premier abord mais elles nous permettent de mentionner des angles de notre travail commun qui n’ont pas été soulevés par d’autres médias.
Ce périple parisien se termine par la participation au Forum Climat organisé par le Centre Pompidou et l’Ademe (l’agence pour la transition écologique) les 3 et 4 décembre. Il s’agit d’un format inédit qui cherche à engager et poursuivre la présence des questions environnementales au sein des domaines culturels. Les intervenants scientifiques et artistiques ont contribué, lors de ces deux jours, à des réflexions et des propositions sur la manière dont la culture peut participer, avec ses moyens propres, à la transition écologique, que ce soit au niveau abstrait des représentations ou au niveau concret des pratiques. Esther Duflo et moi avons été invitées à nous exprimer dans une vidéo sur la manière dont nous avons travaillé sur ce sujet. Nous nous sommes donc concentrées sur les albums à venir, qui embrassent plus précisément les questions environnementales et les réponses collectives à y apporter. L’interview, retranscrite en partie dans un numéro spécial de Libération paru ce week-end là, a donc porté plus précisément sur le travail de création, contrairement à des interviews précédentes où la dimension concrète des albums était à peine évoquée.
Je me place souvent dans la salle de retour écran, en compagnie de l’attachée de presse. Nous en profitons pour parler de l’éventail du PAF et de la spécificité de chaque média.
J’ai en effet accompagné Esther Duflo à plusieurs reprises dans les différents médias auxquels elle a été conviée. Ma présence, aussi inutile soit-elle, a permis de signaler aux journalistes et présentateurs de médias généralistes l’importance qu’elle souhaitait accorder aux albums dans son propos. Cela a notamment été le cas lors de la matinale de France Culture mais également lors d’une interview sur BFM TV.
En plus de cette intervention, j’ai été invitée à concevoir et animer un atelier au Centre Pompidou. À l’occasion de chaque premier dimanche du mois, l’accès y est gratuit et le centre accueille un public plus large. Ils organisent pour cette occasion des ateliers appelés “Impromptus”, qui se déroulent en général dans le grand forum central. Nous avons travaillé avec le service de la médiation culturelle pendant le mois de novembre à la conception d’un atelier qui soit à la croisée de trois pôles:
Le message porté dans les albums, issu des recherches d’Esther Duflo
Les scénarios de prospective formulés par l’Ademe dans la perspective des accords de Paris
Le but des Impromptus, à savoir impliquer les enfants dans une création collective
N’ayant pas beaucoup de temps pour élaborer l’atelier, nous avons décidé, de manière logique par rapport au thème, de fonctionner par recyclage et récupération: Des éléments de scénographie disponible au centre mais aussi de mes images, afin de ne pas générer de nouvelle création dans des délais intenables.
Un cartel, situé à l’entrée de l’espace du “village” délimité par des potelets, annonce le thème de l’atelier. Un des médiateur doit cependant accueillir chaque participant afin de l’introduire au principe spécifique de l’activité. Le samedi, environ 100 personnes se sont présentées tandis que le dimanche, entre 150 et 200 personnes ont participé (en incluant les enfants et leurs accompagnants.)
Il nous a fallu déterminer un cadre narratif engageant afin d’amener le public à entrer dans le jeu: nous avons ainsi présenté l’atelier comme l’ouverture éphémère, durant ce week-end, d’un “village du futur” où tout est à imaginer et construire selon les idées et créations que pourraient nous proposer les visiteurs. Afin de reprendre l’élément visuel principal qui structure l’espace des albums, j’ai à nouveau extrait les lignes de base pour en faire des supports quasi vierges de la création. Imprimées sur papier A3 assez fort, ces lignes noires étaient destinées à être mises les unes à côté des autres bout à bout sur un système de suspension afin d’évoquer la dimension collective du projet.
Certaines lignes intègrent un élément figuratif afin d’enclencher la création.
Nous avons fait le choix de conserver les 4 couleurs des albums, afin de faire écho aux couleurs du 4 couleurs du Centre, mais également afin de générer une règle de jeu. Il y a donc 4 couleurs, 8 planches et 16 phrases.
Dans l’exercice théâtral de l’atelier, les médiateurs ont mis l’accent et l’emphase sur l’accroche symbolique de ces lignes collectives.
Certaines formes étaient prédécoupées par nos soins lors des moments de creux. Des planches étaient aussi à disposition des enfants et des parents pour qu’ils puissent les découper. Cela fournissait une action concrète à réaliser pour bien des parents un peu dépourvus ou à moitié concentrés sur leur téléphone.
J’ai également extrait de mes images des formes géométriques simples que j’ai rassemblé sur 3 planches A4 au couleurs cyan, magenta et jaune, afin de partager mes outils graphiques élémentaires et ma palette de couleurs limitée. Si des feutres et des crayons étaient disponibles pour ouvrir la création, nous avons conclu qu’il serait peut-être plus fort pour un futur atelier de ne laisser que les formes à disposition pour une recherche graphique plus radicale. Enfin, nous avons élaboré une série de questions reliées aux thématiques de l’Ademe. Sous la forme hypothétique du “Et si … ?”, elles étaient données au choix au début de l’atelier afin de générer une proposition.
De nombreux enfants (de 2 à 13 ans) sont venus participer car l’atelier se situait de manière bien visible dans le grand forum du Centre Pompidou. J’ai cependant été surprise par la participation de nombreux adolescents et adultes venus assister au Forum Climat. Nous avions pensé dès le départ à un format accessible aux adultes et enfants mais je ne pensais pas qu’il fonctionnerait aussi bien.
Un espace ressources proposait enfin les albums publiés et des images plastifiées des futurs albums pour pouvoir recadrer l’atelier dans le projet plus général. Les albums faisaient partie du corpus plus général d’ouvrages proposés à la libraire autour de l’évènement et des problématiques climatiques.
Cette séquence conférences terminée, je retourne à mes planches. Les ultimes, celles des deux derniers albums de la série dont l’actualité est plus brûlante (ou torrentielle) que jamais. L’axe de la seconde partie de la série sera résolument orienté vers les problématiques écologiques et cette fenêtre médiatique nous a confirmé l’intérêt et l’urgence d’aborder ces questions. De retour dans mon bureau basque, je dévore donc les Eco-graphies, études sur l’écologie et la littérature de jeunesse de Nathalie Prince et Sebastian Thilges.
Programme de 6ème en Histoire-Géographie sur les migrations humaines. EDUSCOL, Ministère de l’Éducation nationale et de la Jeunesse – Direction générale de l’enseignement scolaire. « Ressources d’accompagnement du programme d’histoire et géographie au cycle 3 ». https://eduscol.education.fr/260/histoire-et-geographie-cycle-3.
EZRATTY, Viviane. Les fonds d’archives du Fonds patrimonial Heure Joyeuse de la médiathèque Françoise Sagan : une histoire « humaine » . Strenæ. Recherches sur les livres et objets culturels de l’enfance, no 11 (20 octobre 2016). https://doi.org/10.4000/strenae.1674.
Une pâtisserie est une préparation sucrée (ou salée, parfois) de pâte cuite au four. Le mot réfère par extension au lieu où l’on en vend mais également à l’ensemble de gâteaux et sucreries qu’adultes et enfants adorent. Le terme vient du mot pâte, dérivé du grec –pastê, évoquant toute pâte faite avec de la farine. Apparenté à -pasco, il renvoie à l’acte de nourrir et de protéger. Une fonction humaine essentielle paradoxalement à l’origine de la pâtisserie, plutôt vue comme marginale, relevant d’un délice en surplus à consommer avec modération. Moins que son apport nutritionnel réel, c’est sûrement le plaisir de pouvoir s’accorder un surplus de vie, une sortie hors de l’immédiate nécessité alimentaire qui en fait sa véritable valeur. De manière surprenante, l’étymon renvoie également à la figure du pâtre, du père. Le papa, c’est aussi dans l’imaginaire collectif celui qui complète la mère nourricière. Le breadwinner, littéralement. Le mot renvoie à une tension entre le plaisir instinctif de la nourriture et la gravité de la fonction nourricière.
C’est un petit plaisir que je m’accorde peu, mais auquel je ne peux résister lorsque ma sœur, chef de partie à l’hôtel Ritz à Paris, m’invite à venir visiter les coulisses du laboratoire. J’y rencontre le chef François Perret, meilleur pâtissier de restaurant 2019 et star bien brillante dans le monde de la pâtisserie parisienne. Autour de trois créations que nous dévorons poliment, nous parlons des albums de recettes pour enfants. Je propose de lui faire une bibliographie afin de mieux aborder l’état actuel de l’offre éditoriale pour ce type d’objet. Il exprime le fait qu’il ne fait jamais de recettes avec ses enfants car il a besoin de tout contrôler, déformation professionnelle oblige. La pâtisserie relève en effet bien plus de la mécanique que sa cousine la cuisine, moins attentive aux questions de dosages millimétrés et de montages alambiqués. Il évoque une forme de complexité extrême de la structure de certains gâteaux (pointant le montage sous nos yeux d’une fausse part de cake marbré transformé en entremet), mais aussi une forme de simplicité et une évidence dans l’apparence extérieure des créations. Le plaisir immédiat est associé à la lenteur quasi architecturale du procédé.
La conception de cette bibliographie prend comme contrainte la sélection d’albums qui proposent des recettes à réaliser, et non pas des albums qui portent le thème de la cuisine comme fil narratif d’une histoire. Le filtre “cuisine/recette” du site de référencement Ricochet m’offre en effet bien plus de matière que je ne souhaite en avoir. La professeure en sciences de l’information et de la communication à l’Université Paris-Saclay Françoise Hache-Bissette rappelle, dans une étude sur le livre pour enfants comme outil de transmission des savoirs culinaires, que l’alimentation représente un sujet important dans la production littéraire pour la jeunesse. Le livre de recettes en particulier connaît une forte augmentation ces dernières années, malgré les regrets des libraires et bibliothécaires que j’ai pu interroger sur le sujet. Elles relèvent peu d’expérimentations graphiques dans le domaine. Je cherche en effet à sélectionner des albums qui proposent une exigence graphique et narrative. J’évacue donc les nombreux albums qui présentent un enfant photographié préparant les recettes pas à pas, avec l’idée que le livre peut transmettre le concept de la pâtisserie à travers ses qualités formelles propres. Je m’appuie également sur une visite inattendue mais plutôt fructueuse à l’Institut Européen d’Histoire et des Cultures de l’Alimentation, situé à la Villa Rabelais de Tours. L’IECHA, fondée en 2001 par Jack Lang, est chargée de promouvoir la culture culinaire et la recherche scientifique dans le domaine pluridisciplinaire des pratiques alimentaires. Il met à disposition du grand public une bibliothèque dans laquelle je trouve le fond d’albums pour enfants, ainsi qu’un espace de documentation pour les étudiants et chercheurs. Les articles de blog de cette mini-série sur la pâtisserie dans l’album jeunesse que je débute aujourd’hui présenteront de courtes analyses et présentations d’un album, saupoudrées de réflexions plus générales sur les liens entre illustration et alimentation. De manière plus surprenante, le thème de la pauvreté au cœur de ma thèse refait surface à la lecture des albums et je tenterai de clarifier cette émergence et l’apport qu’elle fournit à ma pratique.
Posé en évidence sur le présentoir de la bibliothèque publique de l’IEHCA, l’album Une cuisine grande comme un jardin est écrit par l’auteur et fondateur des éditions Rue du Monde Alain Serres et illustré par le peintre et illustrateur Martin Jarrie en 2004. Les recettes présentent des manières de cuisiner les fruits et légumes de façon plutôt élaborée, comme en témoignent les titres à la connotation gastronomique: “Crème de betterave hongroise aux graines de pavot” ou encore “Tarte fine à la poire chinoise et à la cardamome”. Le sociologue Jean-Pierre Poulain définit “la gastronomie [comme] une esthétisation de la cuisine et des manières de table, un détournement hédoniste des buts biologiques de l’alimentation, cette activité très largement encadrée par des règles sociales et à l’exercice de laquelle nous sommes condamnés plusieurs fois par jour. Si toutes les cultures présentent des formes d’esthétisation de l’alimentation, rares sont celles qui l’ont poussée au degré de sophistication atteint par la gastronomie française. En France, l’attitude gastronomique ne saurait se réduire à la cuisine et aux manières des élites. Elle constitue un « patrimoine » revendiqué avec quelque fierté par tous ceux qui participent de la culture française, quelles que soient leurs positions sociales. La gastronomie se pose en « fait social » de première importance pour saisir l’originalité de la société française et de son organisation.” Il situe l’origine de la gastronomie française vers le milieu du XVIIe siècle, lorsqu’elle commence à se distinguer par la formulation de recettes désormais rationalisées. Il souligne notamment l’importance accordée au nom mais également une complexification des manières de manger. S’il rappelle que les recettes populaires connaissent de multiples variantes, “les cuisines savantes sont rigoureusement codifiées dans des ouvrages écrits. Le passage à l’écrit réduit cette variabilité et fixe les formules et les infimes variations comme autant de recettes autonomes”. Le sociologue évoque le développement d’un véritable travail littéraire et scientifique sur la création de formules qui permettent la croissance du nombre de dénominations des plats mais également la distinction d’éléments autrement invisibles (sauces et autres coulis, inserts, etc). Cette sophistication affichée et induite par le choix textuel d’Alain Serres tranche avec la crudité des légumes et fruits dans la peinture de Martin Jarrie. Ils sont en effet représentés encore entiers, à travers une touche vive et matiérée. Cette simplicité de représentation permet de rendre accessible les légumes honnis de la horde enfantine sans pour autant sacrifier une exigence de qualité dans la construction des recettes. C’est une référence à la simplicité de la vie rurale qui a bercé l’enfance de Martin Jarrie, né dans une famille paysanne de Vendée. A contre-courant de la déconstruction de la toile post mai 68, l’artiste développe un trait hyperréaliste lorsqu’il travaille pour la publicité au sortir de ses études aux Beaux-Arts d’Angers. Dernier d’une fratrie de neuf enfants, Martin Jarrie (un pseudonyme formé par deux lieux de son enfance) approche la peinture de fruits et de légumes avec ses souvenirs du potager familial mais également comme le résultat de longues heures d’observations solitaires.
Les caractéristiques formelles des fruits et légumes (brillance, couleur, texture) sont mises en relation avec des peintures d’animaux pour mettre en évidence l’interconnexion du vivant. Ainsi, le renflement orangé d’une pomme fait écho à la gorge rouge de l’oiseau du même nom.
L’originalité de cet album tient à son origine: ce sont les peintures de fruits et légumes déjà réalisées par l’artiste qui ont inspiré l’auteur, avec qui il collabore régulièrement. Ces peintures se retrouvent d’ailleurs dans un autre album intitulé Imagier du vivant, où les fruits et légumes sont intégrés dans l’ensemble plus large des êtres et choses. L’ouvrage est alors inclus dans une série plus large propre à l’artiste, dont il est l’une des excroissances. Un des deux styles que cultive Martin Jarrie, nourrit par une forte expérience du dessin documentaire, est proche de l’hyperréalisme et renforce la dimension classificatoire de ces deux livres. Cependant, cette vision analytique est contrebalancée par le plaisir pictural que génère le sujet pour l’artiste et qui se traduit dans les fonds texturés.
“Un chou rouge coupé ,par exemple, où se mêlent abstraction et figuration, c’est magnifique!”
“J’avoue que les fruits et les légumes m’enthousiasment. Il y a quelque chose qui relève de la rondeur que j’aime bien. Et c’est assez facile de les représenter en peinture épaisse. “
Une relation poussée jusqu’à utiliser des bois de cagettes de fruits découpées comme support de sa peinture acrylique, qu’il applique rarement sur toile. Sa pratique relève alors d’une cuisine des restes de matériaux hétéroclites qu’il assemble.
Les trois niveaux de mise en page viennent souligner cette référence aux planches de botanique. Un premier niveau présente les légumes de manière frontale sur un fond abstrait à la touche matiérée. A la manière d’une planche d’illustration scientifique, ils sont centrés dans l’espace de la page. Dans un second niveau, souvent placé en page de gauche, les fruits et légumes sont insérés dans les blocs de texte qui viennent en épouser la forme. Les éléments sont alors détourés et placés sur un fond blanc, comme autant de détails invitant à les identifier dans le déroulé de la recette. Un troisième niveau présente enfin des peintures occupant toute la double-page, à l’instar d’une nature morte clôturant le livre. Ces trois niveaux rythment le temps de lecture de l’album. Si le premier niveau propose une régularité assez lente, le deuxième niveau accélère et module plus rapidement la lecture des recettes tandis que le troisième marque des pauses plus longues au niveau de l’ensemble de l’album.
Fidèle au projet humaniste et ouvert sur les autres cultures de l’éditeur Alain Serres, l’album propose un proverbe issu d’un pays étranger et lié au fruit ou au légume, mis en évidence de part et d’autre de chaque pagination. L’ouvrage est accompagné d’un index placé à la fin où l’on peut retrouver la liste complète des légumes représentés. Le peintre oscille entre une représentation récurrente de certains fruits ou légumes familiers du jeune lecteur français (comme le citron présent 8 fois et délice notable des peintres de nature morte du XVIIe siècle) et d’autres produits plus exotiques (Chayote, carambole ou bien karela, tous trouvés dans les nombreuses épiceries indiennes et africaines de son quartier du 18ème à Paris). Entre les deux, se situent des produits au nom double, entre un nom familier et un adjectif exotisant comme le concombre amer, la figue de barbarie ou encore la poire chinoise et la pomme-cannelle, formes de traits d’union entre l’ici et l’ailleurs au cœur du projet.
Le livre comporte également un index des recettes, organisées selon la tripartition du repas à la française en entrée-plat-dessert. Comme si le jardin, l’ hortus closus, un monde en miniature entièrement issu de la main de l’homme, se plaçait déjà dans le haut degré d’artificialisation de la cuisine. On peut y voir une tension entre une volonté d’authenticité d’une nature-crudité et le façonnage de la main de l’homme dès la mise en terre.
A l’intérieur de chaque section, les recettes sont organisées dans l’ordre alphabétique et identifiées par un code de ronds colorés permettant d’identifier la bonne saison pour réaliser la recette.
Cette addition s’accorde avec le message actuel sur la saisonnalité et le respect de l’environnement cher à l’éditeur. Il fournit également une indication économique en ce qu’il donne la disponibilité des produits dans le commerce. Il anticipe donc sur les pratiques de consommation du lecteur, enjoint à faire son marché, probablement local, urbain. Un autre niveau de classification relève d’un souci de la réalisation de la recette par l’enfant. Le point critique se place au niveau de la cuisson et les recettes qui n’en demandent pas sont signalées par un astérisque. Cette indication met en avant la volonté de garantir l’autonomie de l’enfant dans la préparation tout en conservant la présence de l’adulte.
Les légumes du potager trouvent à vrai dire une place bien vivante dans ma production actuelle. Je travaille sur le tome 7 de la série d’albums réalisés avec Esther Duflo, centré autour du personnage de Seleni et du thème de l’agriculture. Je dois dessiner le potager et les légumes qu’elle et sa famille décident de créer afin de pallier au manque d’eau provoqué par les grandes monocultures du propriétaire terrien local. Je dois non seulement montrer les différentes étapes de pousse des divers légumes qu’ils décident de planter afin de condenser dans une même image des étapes autrement bien plus longues, mais je dois également montrer la différence de qualité entre les légumes produits par les différents villageois. Il s’agit en effet de parler des techniques d’agriculture plus durables et de l’amélioration du rendement du potager destiné à assurer non seulement la sécurité alimentaire du village mais également à leur fournir un complément de revenu par la vente au marché. Une planche en particulier doit montrer l’inégale réussite de la production entre les habitants. Certains produisent beaucoup, d’autres peu ou pas assez. Il me faut donc signaler graphiquement ces différences à travers des détails tels que la grosseur de l’aliment, sa brillance ou encore le nombre par plant.
J’ai décidé d’organiser cette page de manière crescendo, en allant des plants bien maigres de Bibir à gauche, aux plants moyens de Nilou et sa tante au milieu, aux plants bien renflés d’une femme du village à droite. La fille d’Esther Duflo, éditrice chevronnée, m’avait pourtant conseillé de ne pas orchestrer une progression si linéaire et alterner bon/moyen/nul de manière plus subtile. A ce moment-là, mon image était déjà en place et je n’ai pas voulu changer toute la composition.
Lorsqu’ils vendent leur production sur le marché en ville, des grossistes leur donnent des conseils pour améliorer la qualité et la quantité de leurs légumes. Ce faisant, je marche sur une ligne ténue car en France, le succès de la campagne d’Intermarché sur les légumes moches en 2014, visant à améliorer la perception des fruits et légumes non calibrés par les consommateurs en grande surface, m’ oblige à nuancer le discours pour un public européen et urbain habitué à des produits hyper calibrés. Je dois en effet montrer que les légumes ne sont pas seulement moches ou biscornus mais consommables, mais bien qu’ils ne sont tout simplement pas assez nourrissant, ce qui diffère du jugement purement esthétique qui concerne souvent l’acheteur français responsable.
Par hasard ou par continuité fortuite entre fiction et réalité, il s’avère que nous avons lancé un potager dans notre jardin cette année. La maigreur des quelques aubergines et le faible rendement des tomates me permettent d’avoir un œil frais sur l’apparence d’une production potagère médiocre. Une conséquence certes de notre main à moitié verte mais également due au manque d’eau dans les nappes phréatique qui a fait l’actualité tout l’été. La nature faisant bien les choses, la luxuriance de la production voisine et leur abondance visible et enviable me permet d’obtenir un visuel limpide sur une production de qualité.
Esquisse botanique réaliste réalisée à partir des plants de mes plants d’ aubergine décevants. Cependant, cette étude m’a permis de mieux comprendre la structure d’un plant d’aubergine et d’affiner mon regard sur cette plante. Cette première esquisse d’aubergine donne suite à un début d’huile sur toile sur le même sujet, où je tente à la fois de radicaliser le graphisme mais aussi de me familiariser avec la technique.L’huile permet en effet de rendre les subtils dégradés des effets lumineux sur le bombé de l’aubergine et d’en signaler la vigueur. Il s’agit de la deuxième couche, je souhaite simplifier et renforcer les formes lors de la prochaine couche plus grasse.
Il me faut penser à réduire la taille de ces articles et je m’interrompt donc ici pour l’instant, avant de me rendre au Village International de la Gastronomie de Paris 2022 où est présenté un de nos albums. Leur relation avec la thématique de l’alimentation me semble à établir plus clairement et je vais m’appliquer à approfondir ce point dans un article prochain.
Bibliographie
HACHE-BISSETTE, Françoise. Quand je serai grand(e), je serai gastronome: Le livre pour enfants comme outil de transmission des savoirs culinaires. Revue de la BNF , 49, 32-37, 2015 https://doi.org/10.3917/rbnf.049.0032
POULAIN Jean-Pierre, « Chapitre 5 – La sociologie de la gastronomie française », dans : , Sociologies de l’alimentation. sous la direction de POULAIN Jean-Pierre. Paris cedex 14, Presses Universitaires de France, « Quadrige », 2013, p. 201-220. https://www.cairn.info/–9782130619406-page-201.htm
SERRES, Alain, JARRIE, Martin. Une cuisine grande comme un jardin. Nouv. éd. augm. Vaste monde. Paris: Rue du monde, 2005.
Si le terme littéraire (du latin -littéra) se rapporte logiquement aux lettres de l’alphabet, il pourrait provenir de -lino, qui signifie enduire ou mouiller.
C’est littéralement l’état de mon dos, trempé par l’air humide de Kolkata au moment où j’aligne ces quelques lettres. On me dit qu’il fait meilleur en janvier, lorsque le Kolkata Literary Meet a lieu normalement. Il fait alors bon rester dehors pour assister aux sessions, situées (lorsque l’agenda politique le permet), devant le Victoria Memorial dans le quartier du Maidan, au bord du fleuve Hooghly qui traverse la ville principale du Bengale-Occidental. Alors qu’il a été reporté pour cause de Covid, c’est néanmoins un soulagement et une joie de pouvoir enfin l’accueillir pour son organisatrice Malavika Banerjee, après deux ans de sessions à distance. Le festival littéraire de la ville, vieux de dix ans cette année, peut enfin afficher complet et se tenir en présence d’un public fidèle. Deuxième plus grand festival littéraire d’Inde après celui de Jaipur, le Kolkata Literary Meet, soutenu par la multinationale indienne Tata Steel, s’étend sur une semaine et s’adresse à un public bengali féru de culture et d’art. Une vivacité néanmoins loin, si l’on en croit les échos des aînés, de l’activité intellectuelle que connut la ville dans les années 1970 où des auteurs, artistes et penseurs tel le fameux cinéaste Satyajit Ray se réunissaient régulièrement à l’occasion d’addas, discussions intellectuelles informelles au coeur de la sociabilité bengali.
C’est la sixième fois que je viens en Inde et je pense toujours que ce sera la dernière. J’avais le même sentiment en novembre dernier lorsque, avec l’économiste du développement, professeur au MIT et Prix Nobel d’économie 2019 Abhijit Vinayak Banerjee, nous sommes venus faire la promotion d’un livre de cuisine qu’il a écrit et que j’ai illustré. Ayant vécu avec lui et son épouse et collaboratrice Esther Duflo (également professeure d’économie au MIT et Prix Nobel d’Économie 2019) avant, pendant et après le prix Nobel, j’ai pu non seulement goûter à sa cuisine mais également en apprendre les techniques, dont de nombreuses recettes indiennes. S’il a toujours eu tendance à insérer un fil littéraire dans l’écriture économique, la consécration du Nobel dans sa discipline a probablement ouvert la porte à d’autres projets, d’autres voies d’écriture en marge. Ayant commencé à noter ses recettes à la demande de son beau-frère, Abhijit a rapidement trouvé l’exercice ennuyeux et a voulu ajouter une dimension narrative et dramatique à une tâche qui autrement peut vite devenir mécanique. Au fil des années, la liste s’est allongée jusqu’à obtenir la consistance d’un livre potentiel. A la première lecture du manuscrit, ma sensibilité pour les histoires s’est immédiatement tournée vers le réseau de scènes et de personnages qui, sans être particulièrement définis ou intentionnellement corrélés, émergeaient des courtes introductions précédant chaque recette. Sous l’insistance de Chiki Sarkar, à la tête de la maison d’édition indienne Juggernaut fondée en 2015 et éditrice des autres livres en économie d’ Abhijit Banerjee, ce premier matériau brut devait encore être travaillé pour devenir un ouvrage cohérent.
Il nous semblait à toutes les deux qu’au texte manquait la présence d’ Abhijit en tant qu’économiste et chercheur en sciences sociales. Une dimension qu’il n’avait pas encore envisagée mais dont le livre ne pourrait faire l’économie étant donné sa notoriété. Je détaillerai dans un autre article le processus de rédaction de cette dimension supplémentaire, le travail de conception des illustrations que j’ai effectué à partir de l’acte de cuisiner, le travail de design du livre en collaboration avec la designer et typographe Kriti Monga (à la tête du studio de design Turmeric Design et partenaire de Quick Brown Fox Design, l’un des studio les plus réputés en Inde), les références et réactions à l’omniprésence des photographies dans les livres de cuisine et enfin les stratégies commerciales et promotionnelles qui ont été mises en place par l’éditrice indienne lors de ce voyage en novembre.
Après la publication du livre, nous avons très vite été invités à venir le présenter au Jaipur Literature Festival, au Kolkata Literary Meet, à l’ Hyderabadi Literature Festival ainsi qu’au Kerala Literature Festival. La vague de Covid- 19 début janvier 2022 a forcé le report des deux premiers évènements à la mi-mars. Nous avons participé à la version en ligne de l’Hyderabadi Festival, modéré par le professeur à l’université d’Hyderabad Vijay Kumar Tadakamalla, tandis que le Kerala Literature Festival a été reporté à l’année prochaine. Nous voici donc à Jaipur, New Delhi et Kolkata pour ces évènements.
Jaipur
Après un court arrêt à New Delhi, nous arrivons à Jaipur, capitale du Rajasthan, l’État indien situé à l’extrême ouest, à 45 minutes en avion de la capitale. A peine arrivés dans la ville rose, nous déposons nos bagages à l’hôtel réservé pour l’événement et filons au nord de la ville, dans l’ancienne ville fortifiée où se trouve le fort Amer, chef d’œuvre d’architecture Rajput et Moghole inscrit au patrimoine mondial de l’UNESCO. J’ai insisté pour visiter le musée Anokhi, une marque de vêtements aux motifs imprimés selon la technique traditionnelle locale d’impression xylographique sur tissu.
Bloc de bois (généralement du sycomore ou du poirier) en cours de gravure. Motifs de rosette et paon.
Le musée lui-même se trouve dans un havelî restauré, demeure typique rajasthani centré autour d’une cour intérieure. Le musée retrace l’histoire de la technique ainsi que les différents styles de motifs et les étapes de production. Nous n’avons pas le temps de lire toutes les informations et nous nous concentrons sur les tissus exposés ainsi que sur l’atelier d’impression proposé. Je tente de retrouver les gestes appris dans les ateliers de l’école Estienne mais la technique est essentiellement manuelle. Chaque bloc de bois gravé comporte une élévation permettant de le tenir en place et correspond à une couche de couleur. L’artisan commence par tremper le bloc dans un bac dont le fond en tissu absorbe l’encre, et vient ensuite caler le motif sur le tissu en le plaçant sur un seul côté. Une fois assuré, il l’ abaisse pour couvrir entièrement le tissu et adresse un coup sec sur le bloc avec son autre main, avant de le relever immédiatement. L’impression se fait sur une table recouverte d’un tissu lui-même palimpseste des motifs précédents.
L’artisan aide ma main à trouver l’angle de calage du bloc. Une fois celui-ci posé, il suffit d’abaisser le bloc sur le motif et de lui donner un coup unique et sec avant de le relever.
Avant de partir, je cherche dans la boutique un catalogue qui me permette de lire au calme toutes les informations accumulées. Je découvre avec plaisir une série de petits livres à couverture souple qui non seulement précisent les différentes variations régionales de la technique mais contiennent également de véritables échantillons de textiles imprimés! J’achète un pan de tissu à motif géométrique repéré sur un mannequin afin de le faire coudre à mon retour.
Nous retrouvons dans le hall de l’hôtel un ami d’ Abhijit. Le chirurgien vasculaire, écrivain et essayiste Ambarish Satwik est venu présenter un essai sur le nu médical, une catégorie distincte du nu artistique idéalisé à la vue de tous et de la banale nudité restreinte au regard intérieur. Le nu médical, qu’il scinde entre le scriptural, le cadavérique et le clinique, présente un regard pénétrant le corps jusque dans ses moindres replis à la fontière ténue avec la pornographie. Un regard que la science porte sur le corps humain proche du regard développé par le dessinateur lorsqu’il doit objectiver et disséquer au crayon bien taillé les différentes parties d’un modèle vivant. Mais si le chirurgien cherche l’anomalie physiologique ou bien l’exactitude scientifique et le dessinateur les lignes parfaites d’une silhouette, il me semble que le regard de l’illustrateur se penche plutôt sur la façon dont la posture est imbibée de culture, dont chaque courbe est polie au contact d’une manière d’être et de vivre ensemble dans un lieu donné. Ambarish me recommande le livre Invisible Empire de Pranay Lal, qui retrace l’histoire naturelle des virus. Plutôt d’actualité en ces temps masqués, le livre m’intéresse en particulier pour la place qu’il accorde aux illustrations, leur importance dans la représentation de l’invisible mais également la dimension esthétique qu’elle apporte à la recherche scientifique.
Le dîner a lieu dans l’enceinte de l’Amer Fort, sur les hauteurs de la ville. J’y rencontre Devapriya Roy, la modératrice de notre session du lendemain. Professeure de littérature anglaise à l’université Ashoka de New Delhi, elle est également autrice d’un livre autobiographique sur un voyage à travers l’Inde et d’une biographie de l’ancienne premier ministre indienne Indira Gandhi, réalisée avec l’illustratrice Priya Kuriyan.
Le lendemain, nous arrivons à 10h au festival, situé en dehors de la ville à l’hôtel Clarks Amer. La présence d’ Abhijit attire une foule d’admirateurs et nous nous glissons jusqu’à l’espace des auteurs jusqu’à notre session de 11h. Les questions alternent entre des remarques précises sur la cuisine (indienne et plus spécifiquement bengali) mais également sur les questions soulevées par le livre, tant dans son élaboration que dans son articulation avec le travail d’ Abhijit sur le développement humain et la pauvreté. Le but est de garder un ton léger qui corresponde à celui du livre tout en évoquant les nombreuses dimensions économiques, politiques, idéologiques, historiques et sociales que le thème de la cuisine et de la nourriture en général peut générer, notamment dans le contexte actuel. La ligne directrice du livre consiste à rappeler que même dans les moments les plus difficiles, la nourriture et l’acte social de cuisiner et de recevoir est une source de plaisir, de joie et de cohésion sociale. Abhijit rappelle qu’une partie de son travail sur la pauvreté s’intéresse à l’alimentation et montre que le goût et le plaisir tiré de la nourriture est bien souvent plus important que son apport nutritionnel. Nous avons effectué une vingtaine d’interviews pour la presse indienne et pour d’autres médias à propos du livre, qui ont été largement diffusées lors de sa publication en novembre. Le ton de la session est donc plutôt léger, notamment à l’approche du déjeuner.
Je reçois principalement des questions sur la nature abstraite de la majorité des illustrations du livre. L’attention se porte en particulier sur le fait que, malgré l’abstraction pure des motifs qui accompagnent chaque recette, il est encore possible de reconnaître le plat évoqué. J’en profite pour aborder une ligne que je souhaite tracer plus finement, dans une abstraction pensée comme un processus de réduction et moins comme un aboutissement en soi, un état abstrait. Cette distinction entre l’abstrait et l’abstraction m’a été rappelée à la lecture du catalogue Elles font l’abstraction, publié à l’issue d’une exposition sur les artistes femmes et l’abstraction au XXe siècle au Centre Pompidou en 2021. Les questions portent également sur le contexte de création des illustrations et notre processus de collaboration pour ce livre. En effet, j’ai vécu trois ans avec Abhijit Banerjee, Esther Duflo et leurs enfants à Boston. J’ai aidé pour les repas et demandé à Abhijit de m’apprendre à cuisiner. Progressivement, j’ai pris en charge la préparation puis la planification des repas et enfin la création des plats. J’ai moi-même testé la plupart des recettes présentes dans le livre uniquement à partir de la lecture du texte, afin de pouvoir corriger les erreurs d’indications ou de dosage dans le manuscrit. La relation entre l’illustration, le texte et la réalité a donc été très étroite. J’ai pu ainsi baser mes images sur une pratique de la cuisine décrite dans le livre mais également sur une connaissance intime et manuelle du matériau à illustrer. Les scènes sociales représentées dans le livre sont inspirées par mon expérience directe de la vie quotidienne avec l’auteur tandis que les images se focalisant sur des parties du corps proviennent de l’observation répétée des gestes d’ Abhijit. Il me semble que c’est cette connaissance profonde et progressive du sujet qui a naturellement donné une profondeur au travail d’illustration, grâce à laquelle j’ai pu paradoxalement me détacher de la ressemblance avec l’objet. En quelque sorte, le réalisme est utile pour appréhender la surface de choses que l’on ne connaît pas bien ou encore peu. Au contraire, une figuration plus simplifiée cherche à s’éloigner de la réalité qu’elle connaît trop bien afin d’éviter la redondance.
Le lendemain matin, nous visitons le Jantar Mantar, un observatoire astronomique au centre de Jaipur datant du 18ème siècle et classé lui aussi au patrimoine mondial de l’UNESCO. Le complexe est constitué d’une série de 17 instruments astronomiques dont les volumes géométriques sont accentués ce matin-là par une lumière rasante.
Delhi
A peine arrivés dans la capitale, nous nous promenons au Lodi Garden, le parc principal de Delhi qui date du XVIIe siècle sous les Lodis, régnant alors sur le nord de l’Inde. Au centre du jardin sont situés trois monuments: la mosquée Bara Gumbad, la tombe Sheesh Gumbad et la tombe de Sikandar Lodi. Nous admirons les détails formels du répertoire de formes hindoues, probablement le seul connu par les artisans engagés par le souverain, au sein d’une architecture moghole à la structure carrée ou orthogonale. Abhijit est régulièrement arrêté par des étudiants enthousiastes pour un selfie.
Le lendemain, nous rendons visite au styliste Suket Dhir, dont le travail a été récompensé en 2015 par le prestigieux Prix International Woolmark. Il a réalisé le dhoti, un vêtement masculin formé d’une pièce unique de tissu drapé et noué autour de la taille, que portait Abhijit pour la cérémonie du Prix Nobel en 2019. S’il accorde une grande importance aux techniques traditionnelles, une partie de son travail récent mêle des motifs de bande dessinée imprimés sur tissu. Il nous montre les croquis préparatoires de corps humains qu’il fait réaliser par un illustrateur scientifique et auquel il ajoute un répertoire personnel de motifs végétaux et animaux qui lui sont chers comme le perroquet ou la mangue. Il a à cœur de mêler le traditionnel et le moderne, en utilisant par exemple des figures de maharajas sur des segways ou des figures mythologiques hindoues portant des écouteurs. Les motifs sont ensuite réalisés sur illustrator par des assistants afin de pouvoir les déployer sur différentes tailles et formats de vêtements. Ils sont souvent recouverts d’autres motifs décoratifs et de brocarts. Chaque nouvelle série illustrée répond à la précédente et semble faire partie d’une narration continue dans un jeu ouvert d’échos au sein d’une mythologie personnelle. En remerciement de ces explications, je lui offre une interprétation dans mon langage visuel d’un thème qu’il explore en ce moment.
Nous faisons une tournée de signatures dans plusieurs librairies de Khan Market, la rue marchande au cœur de Delhi. Nous signons plusieurs livres à l’avance et ceux des personnes venues pour l’occasion. Je n’apprécie pas particulièrement l’exercice, qui rompt avec mon expérience des signatures lors de festivals d’illustration ou de bande dessinée où l’on prend le temps de discuter en réalisant le dessin. Mais la notoriété d’ Abhijit, le volume de livres à signer combiné à l’enthousiasme de certaines personnes ne permet pas vraiment ce genre d’interaction.
Nous visitons enfin les locaux de l’organisation J-PAL qu’il a cofondé au sein du MIT, dédiée à la mise en réseau de chercheurs en économie du développement et à l’évaluation de politiques publiques. C’est Holi, la fête de la couleur. Après un concours de chant et de consommation de Pani Puri (un snack formé d’un beignet de semoule que l’on remplit d’une sauce épicée tamarin et d’un mélange de petits pois et de pommes de terre), nous finissons bien décorés de poudre colorée.
Kolkata
Nous arrivons le 18 mars à Kolkata, où nous sommes accueillis par une délégation du gouvernement, déployée pour nous escorter sans discrétion jusque chez la mère d’ Abhijit . L’agent du gouvernement chargé de l’accueil à l’aéroport s’appelle Saumen Khamrui et nous montre son travail, qu’il va exposer en janvier à la prestigieuse galerie Jehangir de Mumbai. Diplômée du Collège Gouvernemental d’Artisanat de la ville de Kolkata, il s’occupe en parallèle de sa création des affaires culturelles pour le Gouvernement du Bengal Occidental et anime de nombreux ateliers. J’aime beaucoup son travail géométrique.
Nous partons nous balader autour du lac de Kolkata situé au sud de la ville, dans lequel les amoureux se bécotent sur les bancs publics.
Roanna Rahman est une artiste et vidéaste indépendante ayant notamment travaillé avec des ONG sur des projets de développement. Elle vient pour filmer un projet entre bande dessinée et économie que réalise Abhijit avec l’auteur bengali Sarnath Banerjee, basé à Berlin. Il s’agit d’une série de 3 vidéos liées au problème de l’eau en Inde. Composées à partir d’un mélange entre une vidéo d’ Abhijit récitant un texte et des animations créées par Sarnath, elles mêlent fiction, économie et histoire. J’ai moi-même aidé à tourner les premiers essais mais le cadre ainsi que la récitation posaient encore problème et nécessitaient une intervention professionnelle. Le résultat est bien plus satisfaisant dans la chambre de sa mère, sur fond d’oiseaux tropicaux nichés dans les tours en décomposition du sud de la ville.
Nous nous promenons dans le nord de la ville où nous marchons au milieu des ateliers d’ artisans, auteurs des impressionnantes sculptures réalisées pour les différentes fêtes (Pujas) qui rythment l’année. Si j’avais pu en voir quelques-unes lors de Kali Puja (en l’honneur de la déesse Kali) en novembre dernier, la plus connue et exubérante à Kolkata reste Durga Puja au mois d’ octobre, que j’espère voir un jour.
Un graphisme réaliste du modèle me permet de mieux envisager l’incidence des volumes du corps sur le “tombé” du tissu. Cependant, mon oeil reste focalisé sur le besoin de rendre compte du motif géométrique sans l’altérer.
Abhijit me propose de réaliser quelques dessins de vêtements à partir du tissu acheté chez Anokhi et de khadis (tissus filés à la main) achetés au Gariahat Market. J’ai toujours été intéressée par le stylisme mais au moment de tracer les premières lignes, je me rends compte que je n’ai pas les clés techniques et logiques suffisantes. Je tente tout de même d’appliquer quelques principes que j’utilise dans mes dessins dans la réalisation de croquis préparatoires. Intriguée par mon travail, la mère d’ Abhijit me demande alors de transformer ses vieux saris en tuniques et kurtas. Je pratique un peu plus et soumet mes croquis à son regard critique. Elle me demande également de transformer deux châles en soie en robe et chemise pour ses petits enfants. Je prends l’exercice au sérieux et m’applique à chercher le meilleur moyen de placer les motifs existants.
Après deux jours à Budge Budge dans un village proche du fleuve Hooghly, nous revenons à temps pour participer à notre session au Kolkata Literary Meet. Elle se déroule avec l’humoriste bengali Anuvab Pal, qui nous a déjà interviewé. Le ton est à nouveau très léger et tourne autour des nombreux stéréotypes bengalis et de la cuisine régionale indienne. Je suis à nouveau interrogée sur la tension entre abstraction et figuration mais également sur les similitudes françaises et bengali dans l’attention portée au détail de la nourriture et sur les inspirations indiennes de mon vocabulaire visuel. Un participant m’interroge sur la dimension dramatique des scènes que je représente, proche d’un comic noir. Je réponds que c’est ce qui m’a attirée dans l’écriture du livre: mises bout à bout, les introductions de chaque recette présentent une galerie de personnages et de scènes qui, sans être clairement connectées, proposent une dramatisation que j’ai souhaité mettre en valeur, afin de déplacer le regard de la simple représentation de la nourriture, déjà omniprésente et poussée jusqu’à l’écoeurement dans de nombreux livres de cuisine. Abhijit quitte l’Inde juste après notre session et je reste à Kolkata une semaine de plus.
Kolkata est l’ une des villes indiennes les plus agréables pour se promener. Ayant horreur de prendre le taxi (notamment en pleine nuit lorsqu’il me dépose à deux kilomètres de chez moi), je décide de déambuler le matin avant que la chaleur ne décourage toute excursion. Je me promène dans le quartier huppé de Ballygunge et prends mes marques.
J’en profite également pour me préparer à une autre session à laquelle Malavika Banerjee, l’organisatrice du Literary Meet Festival, m’a invitée. Elle se fait en collaboration avec l’auteur de bande dessinée Nicolas Wild, qui fait principalement de la BD reportage sur les pays en guerre. Il a notamment réalisé la BD Kaboul Disco, qui a été publiée en Inde grâce à l’entremise de l’autrice Amruta Patil rencontrée à Boston. La session est modérée par le professeur d’anglais, graphiste et illustrateur basé à Chandannagar Pinaki De. Créateur d’une centaine de couvertures de livres pour diverses maisons d’édition en Inde, il a également écrit en longueur sur le travail de graphiste et d’illustrateur du cinéaste bengali Satyajit Ray. Nous nous entendons immédiatement, notamment autour de la nécessité d’ouvrir le champ de recherche sur l’illustration en particulier, trop souvent comprise dans le travail de graphisme ou dans le champ de la BD. Après un doctorat sur la bande dessinée, il a codirigé la revue d’arts graphiques Longform et a rédigé de nombreux essais sur la bande dessinée et l’illustration. Nous abordons les détails techniques: je lui parle de ma méthode de séparation des couches de couleur afin d’obtenir une meilleure qualité d’impression et il me détaille la manière dont il ajuste son graphisme à la qualité de l’imprimeur choisi par l’éditeur, qu’il a appris à intégrer dans son processus de création. Nous discutons pendant trois heures avant de nous diriger vers la session, intitulée Sketches From France. Il est question principalement de parler de la scène de la bande dessinée et de l’illustration en France. Pinaki nous pose notamment des questions sur la place de Charlie Hebdo, l’importance des maisons d’édition indépendantes telle que L’Association, l’héritage controversé de Tintin (sur lequel il travaille avec ses étudiants) ainsi que sur nos méthodes de travail respectives. Je reçois une question inattendue sur l’importance de l’esthétique grunge et cyberpunk dans mes illustrations. Si la personne n’a clairement pas regardé mon travail, la réponse de Nicolas me rappelle que cette esthétique a pullulé dans mes carnets de terminale L et que je ne devrais pas la renier. Mon retour au Pays Basque sera un bon moment pour me replonger dans les archives de cette période.
Une performance de la danseuse et militante féministe Mallika Sarabhai, entre style Bharatanatyam classique et rap contemporain, clôt cette soirée en beauté et me laisse rêveuse quant aux ouvertures que cette rencontre a créé. Pinaki propose de m’envoyer des albums pour enfants russes des années 1920 qui ont été disséminés dans le Bengale communiste ainsi que des scans des travaux graphiques de Satyajit Ray. Il collabore régulièrement avec le directeur de la NID, l’école Nationale de Design la plus prestigieuse d’Inde, située à Ahmedabad. Ce serait peut-être l’occasion d’y aller un jour… Je lui propose de mon côté de faire le lien avec les deux groupes de recherche dont je fais partie en France, afin de faire mieux faire connaître la bande dessinée et l’illustration indienne.
Je rencontre le lendemain matin le journaliste Chintan Modi dans l’un des nombreux cafés à la mode de Ballygunge. Enseignant dans le primaire, il m’explique comment il utilise des vidéos d’animation afin de créer un support de discussion sur les relations indo-pakistanaises auprès des jeunes enfants.
Le lendemain matin, je décide de partir dans la ville de bonne heure afin de lancer le projet qui me tient à cœur depuis ma dernière visite: celui de commencer une typologie des grilles et grillages dans la ville de Kolkata. Je suis largement inspirée du travail de Frederic Lefever sur les frontons basques. Les subtiles variations de formes (géométriques), de couleurs et de dispositions me semblent fournir un répertoire fascinant, qui ne cesse d’attirer mon regard lors de mes déambulations, au risque de ne pas voir les scooters et autres touk-touks qui pourraient bien me faucher au passage. Aidée de mon smartphone dont l’appareil photo est réglé sur un format carré, je commence ma collecte. Si les grilles intéressantes ne manquent pas, mon choix est contraint par la présence ou non d’un public particulièrement intrigué pour qui je ne passe déjà pas inaperçue. Je tente de capter le minimum d’éléments personnels tels que des noms et adresses précises afin de respecter les habitants, ce qui contraint la prise de vue. Mon attention est particulièrement portée sur les superpositions de grilles existantes, ou les superpositions des grilles et des fils électriques que je ne peux évacuer du cadre. Les grilles sont réparties entres: grilles de fenêtres, portes, portails, climatisations, escaliers et balcons. Au-delà de la géométrie de la grille elle-même, je tente également de créer une composition photographique équilibrée. Je suis plutôt satisfaite de la série, étendue sur les quartiers sud de Gariahat, Ballygunge, Ekdalia, Paddapukur et Bakul Bagan.
Je suis invitée l’après-midi à venir voir la collection de Bulai Gargi Gupta, fille de Radha Prasad Gupta (1921-2000). Bibliophile, écrivain et collectionneur bengali, il était au cœur des fameuses Adda dans le Kolkata des années 1960, cette forme particulière de discussion intellectuelle animée et principalement masculine. Sa fille me montre la collection dans la chaleur étouffante de son salon. Divisée en trois parties, elle est tout d’abord composée de lithographies et de sérigraphies représentant des scènes et personnages des grandes épopées indiennes que sont le Mahabharata et le Ramayana. Elles proviennent en particulier de l’atelier d’impression du peintre Ravi Varma, le Ravi Varma Press, actif dans la première moitié du XXème siècle. On retrouve plusieurs fois la même image.
Ce type de visuel s’inspire en partie des Kalighat Pats, dans les postures ainsi que dans les courbes exagérées du corps.
Il s’agissait d’images volantes populaires, destinées à être affichées et visibles dans les endroits mi-privés, mi-publics qui peuplent les trottoirs de la ville.
Une deuxième série présente des peintures originales. Ce sont des Kalighat pat (prononcer “pote”) du nom du temple Kalighat dans l’ouest de Kolkata. Produites au XIXe comme images souvenirs pour les visiteurs du temple dédié à la déesse Kali, les peintures kalighat ont évolué pour devenir l’une des formes de la peinture indienne. Le style est caractérisé par son économie formelle: les aplats de couleurs vives sont généreusement entourés par de larges traits contours au pinceau, les ombres sont placées de manière irréalistes afin de créer des tensions dans une composition par ailleurs très dépouillée, ne figurant que les éléments rapidement compréhensibles et efficaces de l’histoire. Ces peintures ont été réalisées sur un papier très fin puis contrecollées de manière plus ou moins heureuse sur des planches de cartons. Gargi m’indique que la production était traditionnellement divisée entre les hommes et les femmes: les premiers traçaient les contours tandis que les secondes peignaient les couleurs et les surfaces, de manière quasi industrielle (une femme par couleur!). Je me demande tout de même si ce principe s’applique de manière aussi rigide car certaines images ne seraient pas faisables de cette manière tant le contour et l’aplat semblent interreliés. Selon Lauren M.Slaughter, le style Kalighat serait une forme développée à partir de l’esthétique des rouleaux patuas bengalis, et non une intégration de l’esthétique anglaise comme ont pu le suggérer des recherches antérieures. Ces rouleaux narratifs et visuels étaient déroulés à l’occasion de performances itinérantes, accompagnés de récits et de chants par les patuas, une caste inférieure d’artisans bengalis généralement originaires des campagnes. Lorsque ces derniers sont arrivés à Kolkata, ils se sont alors installés dans les quartiers populaires et ont adaptés leur art à une plus grande demande. S’ils ont conservé de nombreux aspects de leur technique (comme le type de pigment ou encore la rondeur exacerbée des formes), ils ont cependant rationalisé la production de leurs illustrations. La série d’originaux comporte une partie reprenant des motifs narratifs issus du Mahabharata ou du Ramayana que Gargi me décrit au fur et à mesure que je déploie délicatement les documents.Réagissant à l’européanisation de l’art apprécié des élites indiennes, les patuas se sont fait les relais des visions et avis populaires sur les changements à l’oeuvre dans la société bengali de l’époque. Destinés à un public majoritairement illettré, les images se devaient d’être visuellement efficaces et directes. Leur lecture était simplifiée par la familiarité du public avec les grandes épopées ou au contraire avec la vie quotidienne du quartier.
On peut voir dans cette image la figure de Krishna bébé (reconnaissable en tant qu’avatar de Vishnu par sa couleur de peau bleue) et sa mère adoptive Yashoda trayant une vache. Ce type d’imagerie était produit en série, comme l’atteste une image quasi similaire au musée d’art de Philadelphie https://philamuseum.org/collection/object/106675.
Cette image montre le dieu singe Hanuman, compagnon du dieu Rama (que l’on distingue en bleu sur son épaule droite) dans le Ramayana.
Cette image montre le dieu Kartikeya, fils de Parvati et Shiva et frère de Ganesh. On le reconnaît au paon appelé Paravani qui lui fait office de monture ainsi qu’ à la lance dans sa main droite.
Les peintures kalighat représentent la présence des anglais dans la ville de Calcutta. Commentaires sociaux sur les évolutions de la ville et notamment l’européanisation des élites, ces images utilisent régulièrement les attributs de la mode anglaise: ici les bottines noires, le veston et la coiffe.
La rigidité des poses et des corps tubulaires s’explique par un besoin de rapidité tant dans l’exécution que dans la réception des kalighats pats.
Une seconde partie présente au contraire des scènes de la vie de tous les jours, principalement centrées sur des affaires d’adultère de la communauté, faisant référence à des épisodes probablement connus des locaux et des affaires courantes. L’illustrateur se fait alors observateur des moeurs sociaux d’un important centre urbain en pleine mutation.Il fait une chaleur intense, je dois essuyer mes mains humides pour ne pas tacher les planches.
On peut reconnaître à ses souliers noirs la figure masculine du “Baboo”, titre souvent péjoratif désignant un bureaucrate indien privilégié par le pouvoir anglais alors en place.
Légendée comme un “avis à tous les bengalis”, cette illustration de presse satirique montre l’ironie macabre d’un officier anglais proposant un verre d’eau à un indien affamé. Malgré la profonde détresse de sa famille, l’homme est représenté droit et centré dans l’image, dans une posture digne entre deux figures de mort: celle largement éclairée de l’officier à gauche et celle plus effacée de la faucheuse à droite.
D’ordinaire, Gargi ne montre pas les originaux et propose des impressions à consulter. Je suis privilégiée. Elle me propose enfin de farfouiller dans une dernière malle où je trouve des sérigraphies représentant des figures d’histoire naturelle (des planches animalières principalement) mais aussi des illustrations de journaux du début du XXe siècle. Le déjeuner est prêt, je vide littéralement le stock de Poshto Bora (des petites galettes de graines de pavot) qu’elle a préparé avec un chutney de tomates et noix de cajou.
Nous sommes invitées le lendemain à rencontrer une amie de la mère d’ Abhijit dont le mari Deben Bhattacharya était un collectionneur de musique folklorique. Elle a vécu à Paris et nous parlons majoritairement en français. Son mari a effectué un voyage dans les années 1950 depuis Paris jusqu’à Calcutta dans le but de collecter des musiques, chants et instruments locaux. Elle me montre la couverture du livre intitulé Paris to Calcutta, Men and Music on The Desert Road édité par l’éditeur américain spécialisé dans l’édition musicale Sublime Frequencies.
Je termine avec nostalgie mon séjour avec trois dosas, mon plat préféré. Il s’agit d’une crêpe à base de riz et de lentilles fermentés originaire d’Inde du sud que l’on mange avec divers chutney à la coriandre et à la coco et accompagnée d’un sambar, une soupe à la tomate aromatisée. Même si la recette n’y figure pas, j’achète le livre Travels Through South Indian Kitchens écrit et illustré par l’architecte Nao Saito, venue en résidence dans la fabuleuse maison d’édition Tara Books basée à Chennai.
Le dernier jour, Lisa Ho, doctorante au MIT sous la direction d’Esther et Abhijit, vient me chercher pour m’emmener dans une organisation appelée la Calcutta Foundation, fondée il y a 25 ans dans la région de Kolkata. Lisa Ho poursuit sa thèse sur l’accès à l’emploi des femmes. L’organisation aide à identifier et recruter des participantes pour l’expérience, à qui seront donnés des téléphones portables munis d’une application sur laquelle elles pourront enregistrer des mots dans leur langue naturelle afin d’améliorer les logiciels de reconnaissance vocale de Microsoft. Lisa Ho s’intéresse particulièrement à la manière dont ce micro-travail affecte la vie des femmes et leur permet d’accéder à l’emploi à travers une compétence qui leur est naturellement accessible. Elle regarde notamment la manière dont elles gèrent cette activité par rapport à leurs maris, leurs enfants et selon le degré de flexibilité qui leur convient. Le projet en est encore à ses débuts et j’assiste aux discussions avec les femmes de la Calcutta Foundation. Elles évoquent les petits détails pratiques mais essentiels pour la bonne tenue du projet: obtenir la confiance des participantes, gérer la location de bureaux pour inviter les femmes à venir y travailler, etc. Lisa Ho me montre également le design de son expérience, parfaitement symétrique. J’avais demandé à Abhijit et Esther de pouvoir rencontrer leurs collaborateurs afin de mieux comprendre le cœur de leurs expériences sur le terrain et ainsi améliorer mon travail d’illustration dans le cadre de la série d’albums pour enfants que je réalise avec Esther Duflo.
Je reprends l’avion le lendemain, de retour vers la réalité et le travail que j’ai quelque peu laissé de côté. Je suis dès le lendemain à pied levé au Seuil Jeunesse, afin d’observer les corrections des premiers albums prêts à être imprimés. Mes yeux, grands ouverts par cet incroyable voyage et enrichis de mille nouveaux motifs, peuvent alors partir à la chasse aux pétouilles dans la pièce close d’un immeuble parisien.
3- Sen, Debarati (2011) “Speech Genres and Identity: The Place of Adda in Bengali Cultural Discourse,” Journal of Emerging Knowledge on Emerging Markets: Vol. 3, Article 30.
4- Banerjee, Abhijit, Olivier, Cheyenne. Cooking To Save Your Life. New Delhi: Juggernaut, 2021.
10- Lal, Pranay. Invisible Empire: The Natural History of Viruses. Gurugram, Haryana, India: India Viking, 2022.
11- Roy, Devapriya, et Priya Kuriyan. Indira. Chennai: Context, 2018.
12- Banerjee, Abhijit V., et Esther Duflo. Repenser la pauvreté. Traduit par Julie Maistre. 1 vol. Points 737. Paris: Points, 2014.
13- Centre national d’art et de culture Georges Pompidou, et Museo Guggenheim. Elles font l’abstraction : [album de] l’exposition, [Paris, Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Galerie 1, 5 mai-23 août 2021, Bilbao, Musée Guggenheim Bilbao, 22 octobre 2021-27 février 2022]. 1 vol. Paris: Éditions du Centre Pompidou, 2021.
23- Kolkata Literary Meet. Sketches from France: Nicolas Wild, Cheyenne Olivier discuss the illustrated narrative and cartoon, 2022. https://www.youtube.com/watch?v=dcR6XxSbxLw.
30- Zunigo, Xavier (2007). « Visiter les pauvres »: Sur les ambiguïtés d’une pratique humanitaire et caritative à Calcutta. Actes de la recherche en sciences sociales, 170, 102-109. https://doi.org/10.3917/arss.170.0102
31- Slaughter, Lauren M. ‘Reclaiming the Indigenous Style of Kalighat Paintings.’ Chrestomathy: Annual Review of Undergraduate Research, School of Humanities and Social Sciences 11 (2012): 242–258.
Dans le sens premier de tenir, la forme trace le contour des choses. Une fonction de mise en évidence attribuée à l’illustration, tenue de mettre en lumière et d’éclairer l’invisible, le flou. Inscrite à la croisée de multiples formes artistiques qu’elle accompagne et dont elle se nourrit, l’illustration n’est pas une mais plusieurs variétés de formes, qu’elle multiplie dans sa dimension sérielle et reproductrice intimement liée à l’imprimé.
Pauvres
C’est la constante dévalorisation de l’illustration, que condense le terme “illustratif”, précédé de l’adverbe “trop” et qui renvoie souvent à une dépréciation de la part même de ceux qui la font. Manque de reconnaissance d’un métier sans technique spécifique et sans noblesse affichée, associé à des formes de lecture et d’imagerie populaires, à la supposée redondance stérile de la mimésis et à la pauvreté de la sérialité.
Forme
Avant tout concernée par l’image, l’illustration résulte d’un ensemble cohérent de choix, de traits spécifiques sous lesquels représenter et traduire en lignes et surfaces une idée, un texte, une pensée. Elle unifie, circonscrit, rend intelligible et visible ce qui ne l’est pas encore, ou trop peu.
Riche
Au sens de variée et fertile, l’illustration est un terreau riche niché dans les multiples creux entre textes et images, faisant appel à la fécondité des relations hybrides et des associations libres et arbitraires. Sommée de chasser le lustre de ses objets, elle met en valeur et ouvre à la postérité.
Pensées
Liée à une forme de pensée visuelle, elle canalise une réflexion par l’image et ouvre sur de nouvelles conceptions de la réalité. Elle se fait miroir de la vie psychique de ses auteurs et imprime les représentations collectives. Dans le sens premier de peser, elle fournit un support pour la re-négociation partagée du sens, l’expression de discours multiples, contradictoires ou nuancés.
Pratique
Elle résulte d’un travail, d’un artisanat, d’une pratique continue et structurée s’appuyant sur l’intelligence de la main, l’observation scrupuleuse du réel et une chaîne de production associée à de nombreuses autres professions.
Illustration
C’est enfin un métier, une catégorie professionnelle née aux XIXe mais dont les origines remontent aux premières inscriptions préhistoriques. Une activité qui ne cesse de se déployer et vit aujourd’hui une revalorisation. Une profession qui implique des modalités concrètes et spécifiques d’opération ainsi qu’une réalité économique précaire de plus en plus mise à jour.
Ce carnet de recherche est consacré à une thèse débutée en 2021. Je suis illustratrice de livres pour enfants, diplômée de l’école d’Arts et Industries Graphiques Estienne à Paris et détentrice d’un master en illustration à la Haute Ecole des Arts du Rhin de Strasbourg. Une formation complétée à la Harvard Extension School en anthropologie de l’art, en sciences environnementales, en impression typographique au plomb ainsi qu’en design numérique. Je suis actuellement rattachée au laboratoire InTRu spécialisé dans les transferts culturels et artistiques de l’Université de Tours ainsi qu’à l’ECOLAB au sein du programme Edition, média, design de l’Ecole d’Art et de Design d’ Orléans. Cette thèse est co-dirigée par Cécile Boulaire, maître de conférence HDR à l’Université de Tours et spécialiste de l’album jeunesse, et par Nicolas Tilly, graphiste enseignant-chercheur à l’ESAD d’Orléans.
Ma recherche de thèse par la création porte sur l’illustration de la pauvreté dans l’album jeunesse français contemporain. Elle s’appuie sur une création en cours avec l’économiste du développement, professeure au MIT et Prix Nobel d’économie 2019 pour ses travaux sur la pauvreté Esther Duflo. J’y questionne, à travers l’analyse de ma propre pratique combinée à une observation d’un corpus d’album contemporains, la représentation visuelle, verbale et narrative de la pauvreté dans l’objet iconotextuel qu’est l’album destiné aux jeunes enfants en âge de pré-lecture. Mon hypothèse théorique et plastique interroge la pertinence d’un choix graphique inspiré par les formes géométriques élémentaires face au sujet de la pauvreté.
Ce blog ambitionne de rendre compte de l’avancée de mes recherches, de mes lectures, voyages, visites et autres étapes dans la production de mon objet d’étude.
Bibliographie
Banerjee, Abhijit V., et Esther Duflo. Repenser la pauvreté. Traduit par Julie Maistre. 1 vol. Les livres du nouveau monde. Paris: Éd. du Seuil, 2012.
Bibliothèque nationale de France, éd. Babar, Harry Potter & Cie : livres d’enfants d’hier et d’aujourd’hui [exposition, Paris, Bibliothèque nationale de France, site François Mitterrand, du 14 octobre 2008 au 11 avril 2009]. 1 vol. Paris: Bibliothèque nationale de France, 2008.
Boulaire, Cécile. Lire et choisir ses albums : petit manuel à l’usage des grandes personnes. 1 vol. Passeurs d’histoires. Paris: Didier jeunesse, 2018.
Boulaire, Cécile, Centre national de la littérature pour la jeunesse-La Joie par les livres, et Association française de recherche sur les livres et objets culturels de l’enfance, éd. L’avenir du livre pour la jeunesse : actes du colloque. 1 vol. Paris: BnF-Centre national de la littérature pour la jeunesse, 2010.
Brosterman, Norman. Inventing Kindergarten. 1st édition. New York, N.Y.: Harry N. Abrams, 1997.
Bruner, Jerome Seymour. Pourquoi nous racontons-nous des histoires ? Traduit par Yves Bonin. Forum, éducation, culture. Paris: Retz, 2002.
Les cahiers du CRILJ , 10 : Novembre 2019. La pauvreté à l’œuvre dans la littérature jeunesse. Les Cahiers du CRILJ, 2019.
Defourny, Michel. De quelques albums qui ont aidé les enfants à découvrir le monde et à réfléchir. Éd. augmentée. 1 vol. Paris: Archimède-l’École des loisirs, 2013.
Defourny, Michel. Père Castor & les artistes russes. 1 vol. Meuzac: les Amis du Père Castor, 2017.
Descola, Philippe. Les formes du visible : une anthropologie de la figuration. 1 vol. Les livres du nouveau monde. Paris: Éditions du Seuil, 2021.
Elles font l’abstraction, l’exposition : Women in Abstraction, the Exhibition. 1 vol. Paris: Éditions du Centre Pompidou, 2021.
Focillon, Henri. Henri Focillon. Vie des formes. 5e édition, suivie de l’Éloge de la main. Paris: Presses universitaires de France (Vendôme, Impr. des P.U.F.), 1964.
Groensteen, Thierry. Système de la bande dessinée. Formes sémiotiques. Paris: Presses universitaires de France, 1999.
Ingold, Tim. Une brève histoire des lignes. Traduit par Sophie Renaut. 1 vol. [Bruxelles] Le Kremlin-Bicêtre: Zones sensibles diff. les Belles lettres, 2011.
Jouve, Vincent. Pouvoirs de la fiction : pourquoi aime-t-on les histoires ? 1 vol. La lettre et l’idée. Malakoff: Armand Colin, 2019.
Kaenel, Philippe. « Le métier d’illustrateur, 1830-1880 : Rodolphe Töpffer, J.-J. Grandville, Gustave Doré ». Titre courant 31. Droz, 2005.
Kress, Gunther, et Theo van Leeuwen. Reading Images : The Grammar of Visual Design. 2e éd. 1 vol. Abingdon: Routledge, 2006.
Kümmerling-Meibauer, Bettina, éd. The Routledge Companion to Picturebooks. 1 vol. Abingdon, Oxon: New York, NY Routledge, 2018.
Letourneux, Matthieu. Fictions à la chaîne : littératures sérielles et culture médiatique. 1 vol. Poétique. Paris: Éditions du Seuil, 2017.
Melot, Michel. L’illustration. Histoire d’un art 4. Genève [Paris]: Skira [diffusion Flammarion], 1984.
Munari, Bruno. Bruno Munari: Square, Circle, Triangle. 1er édition. New York: Princeton Architectural Press, 2016.
Nières-Chevrel, Isabelle. Introduction à la littérature de jeunesse. 1 vol. Passeurs d’histoires. Paris: Didier jeunesse, 2009.
Perrot, Jean (dir). Jeux graphiques dans l’album pour la jeunesse : actes du congrès international, [Paris, 4-7 juillet] 1988. Argos. Le Perreux] [Villetaneuse: CRDP de l’Académie de Créteil Université Paris-Nord, 1991.
libraires et désormais sous d’autres paires d’yeux que les nôtres. Cinq petits albums, 250 pages tombées début automne sur le vaste champ éditorial de la rentrée. 
Une seconde conférence a eu lieu, dans l’espace moins prestigieux certes, mais non moins chaleureux de la librairie Folies d’Encre située à Montreuil. Nous avons été invitées à venir parler des albums pour un public d’enfants dans un premier temps puis un public adulte. Yvonnick, le libraire spécialisé jeunesse, a demandé en amont aux enfants inscrits de poser leurs questions. Il a construit la rencontre autour de celles-ci et a largement laissé la parole aux enfants. Nous avons été impressionnés par l’acuité des questions posées, dont certaines sous-entendaient une compréhension très fine des enjeux actuels liés à la pauvreté. Nous avons joué le jeu et majoritairement demandé aux enfants de formuler des réponses aux questions qui nous étaient posées. À l’issue de la rencontre, j’ai fait une dédicace, exercice pour lequel je ne suis pas encore bien au point. J’ai l’habitude de faire de multiples croquis et ratures pour obtenir le résultat net qui me plaît, et la rapidité de l’exercice me force à produire un dessin plutôt médiocre.
C’est pourtant souvent un plaisir pour de nombreux illustrateurs qui y voient un temps de discussion unique avec de vrais lecteurs et un exercice de dessin que la contrainte rend stimulant. Si j’ai le temps, il me faudra penser à faire des tampons comme me le suggère l’éditrice, et qui semblent assez efficaces.
Nous avons participé au lancement du SLPJ 2022 en nous adressant sous la forme d’une conférence dessinée à une centaine d’élèves de CM2 et de 6ème. La question de la mobilité, de la ville et des déplacements étant au cœur du programme de ces classes, et le thème du festival cette année étant Désirs de mondes, nous avons orienté la discussion autour du troisième album de la série. Celui-ci raconte et montre la migration économique de Neso et son ami Najy depuis le village vers la ville, et les multiples résistances qu’ils rencontrent lors de ce périple. Nous avons travaillé la rencontre en amont avec l’éditrice et Esther Duflo, afin d’articuler les questions autour du travail sur la série en général mais aussi autour des préjugés liés à la migration. À l’exception d’un micro-concert dessiné à 2h du matin lors d’une soirée électro au fin fond des bois basques il y a 5 ans, je n’avais jamais réalisé de dessin filmé et projeté en live. 
J’attendais depuis longtemps l’ouverture au Musée des Arts Décoratifs de l’exposition sur le graphiste et éditeur Etienne Robial, dont le vocabulaire graphique (et géométrique) limité et les recherches formelles m’inspirent profondément. La première partie de l’exposition met en avant le travail d’édition chez Futuropolis et notamment 
l’attention portée par le graphiste aux aspects techniques de la production du livre: le sens du papier, les trames de demi-teintes, l’utilisation du système d’impression Benday, la cohérence visuelle d’une collection, etc. Elle me donne des idées pour la présentation de mon travail lors d’une prochaine exposition à l’ESAD d’Orléans en février.
Les croquis typographiques et son travail autour de l’alphabet me donnent également envie de réaliser l’alphabet entier de la typographie que j’ai créé pour les titres des albums. L’exposition verticale des nombreux outils est très esthétique et convaincante: Elle évoque un travail quasi scientifique du graphiste, dans l’expérimentation de la lisibilité des accords colorés par exemple. Une démarche expérimentale et fondamentale plus poussée dans la dernière partie de l’exposition, avec les travaux autour des formes simples qu’il donne à ses élèves de l’école d’art privée Penninghen. Au milieu de l’exposition, un mini-atelier propose de réaliser des alphabets avec des formes simples sur une grille préétablie, à destination des enfants notamment. 
Cet exercice fait écho au Carnet d’Exploration Graphique édité par les éditions B42 que j’ai acheté aux Puces de L’illustration. Situées au sein du Campus Fonderie de l’Image, elles fêtaient leurs 10 ans ce week-end-là. J’y ai revu Léa Murawiec, ancienne camarade de l’école Estienne et autrice de la fantastique BD Le grand vide publiée en 2021 aux éditions 2024. Elle tenait le stand de l’association Le Flûtiste dans laquelle elle est active. J’en ai profité pour intégrer à mon corpus d’albums sur la pauvreté l’album Le ciel est en feu de Tom Vaillant (un autre camarade d’Estienne) qu’ils viennent d’éditer.
Je visite également l’exposition Sur les routes de Samarcande à l’Institut du Monde Arabe, où sont visibles de splendides tapis de style suzani, reconnaissables à leurs grandes fleurs rouges brodées. Les voir en vrai permet de se rendre compte de l’importance de l’orientation des aplats réalisés à l’aiguille, qui réfléchissent la lumière différemment selon leur direction et la manière dont ils ont progressivement rempli la forme de contour. Cette tension entre un aplat pur et un aplat de couleur vibrant se retrouve dans le dessin au crayon en particulier.
On retrouve cette vibration dans le travail de broderie des créations textiles des femmes afghanes exposées au musée Guimet dans l’exposition Sur le fil, qui met en avant le travail de la maison de couture Zarif Design crée en 2005 à Kaboul. 
Nous visitons également l’exposition Afghanistan, ombres et légendes, qui présente les découvertes archéologiques réalisées au XX ème siècle. Si les détails 
Dans l’exercice théâtral de l’atelier, les médiateurs ont mis l’accent et l’emphase sur l’accroche symbolique de ces lignes collectives.
Les albums faisaient 
partie du corpus plus général d’ouvrages proposés à la libraire autour de l’évènement et des problématiques climatiques. 
Les éléments sont alors détourés et placés sur un fond blanc, comme autant de détails invitant à les identifier dans le déroulé de la recette. Un troisième niveau présente enfin des peintures occupant toute la double-page, à l’instar d’une nature morte clôturant le livre. Ces trois niveaux rythment le temps de lecture de l’album. Si le premier niveau propose une régularité assez lente, le deuxième niveau accélère et module plus rapidement la lecture des recettes tandis que le troisième marque des pauses plus longues au niveau de l’ensemble de l’album.
L’ouvrage est accompagné d’un index placé à la fin où l’on peut retrouver la liste complète des légumes représentés. Le peintre oscille entre une représentation récurrente de certains fruits ou légumes familiers du jeune lecteur français (comme le citron présent 8 fois et délice notable des peintres de nature morte du XVIIe siècle) et d’autres produits plus exotiques (Chayote, carambole ou bien karela, tous trouvés dans les nombreuses épiceries indiennes et africaines de son quartier du 18ème à Paris). Entre les deux, se situent des produits au nom double, entre un nom familier et un adjectif exotisant comme le concombre amer, la figue de barbarie ou encore la poire chinoise et la pomme-cannelle, formes de traits d’union entre l’ici et l’ailleurs au cœur du projet. 
Nous faisons une tournée de signatures dans plusieurs librairies de Khan Market, la rue marchande au cœur de Delhi. Nous signons plusieurs livres à l’avance et ceux des personnes venues pour l’occasion. Je n’apprécie pas particulièrement l’exercice, qui rompt avec mon expérience des signatures lors de festivals d’illustration ou de bande dessinée où l’on prend le temps de discuter en réalisant le dessin. Mais la notoriété d’ Abhijit, le volume de livres à signer combiné à l’enthousiasme de certaines personnes ne permet pas vraiment ce genre d’interaction.
Intriguée par mon travail, la mère d’ Abhijit me demande alors de transformer ses vieux saris en tuniques et kurtas. Je pratique un peu plus et soumet mes croquis à son regard critique. Elle me demande également de transformer deux châles en soie en robe et chemise pour ses petits enfants. Je prends l’exercice au sérieux et m’applique à chercher le meilleur moyen de placer les motifs existants.
Je me demande tout de même si ce principe s’applique de manière aussi rigide car certaines images ne seraient pas faisables de cette manière tant le contour et l’aplat semblent interreliés. Selon Lauren M.Slaughter, le style Kalighat serait une forme développée à partir de l’esthétique des rouleaux patuas bengalis, et non une intégration de l’esthétique anglaise comme ont pu le suggérer des recherches antérieures. Ces rouleaux narratifs et visuels étaient déroulés à l’occasion de performances itinérantes, accompagnés de récits et de chants par les patuas, une caste inférieure d’artisans bengalis généralement originaires des campagnes. Lorsque ces derniers sont arrivés à Kolkata, ils se sont alors installés dans les quartiers populaires et ont adaptés leur art à une plus grande demande. S’ils ont conservé de nombreux aspects de leur technique (comme le type de pigment ou encore la rondeur exacerbée des formes), ils ont cependant rationalisé la production de leurs illustrations. La série d’originaux comporte une partie reprenant des motifs narratifs issus du Mahabharata ou du Ramayana que Gargi me décrit au fur et à mesure que je déploie délicatement les documents.Réagissant à l’européanisation de l’art apprécié des élites indiennes, les patuas se sont fait les relais des visions et avis populaires sur les changements à l’oeuvre dans la société bengali de l’époque. Destinés à un public majoritairement illettré, les images se devaient d’être visuellement efficaces et directes. Leur lecture était simplifiée par la familiarité du public avec les grandes épopées ou au contraire avec la vie quotidienne du quartier.
D’ordinaire, Gargi ne montre pas les originaux et propose des impressions à consulter. Je suis privilégiée. Elle me propose enfin de farfouiller dans une dernière malle où je trouve des sérigraphies représentant des figures d’histoire naturelle (des planches animalières principalement) mais aussi des illustrations de journaux du début du XXe siècle. Le déjeuner est prêt, je vide littéralement le stock de Poshto Bora (des petites galettes de graines de pavot) qu’elle a préparé avec un chutney de tomates et noix de cajou.