Si le terme littéraire (du latin -littéra) se rapporte logiquement aux lettres de l’alphabet, il pourrait provenir de -lino, qui signifie enduire ou mouiller.
C’est littéralement l’état de mon dos, trempé par l’air humide de Kolkata au moment où j’aligne ces quelques lettres. On me dit qu’il fait meilleur en janvier, lorsque le Kolkata Literary Meet a lieu normalement. Il fait alors bon rester dehors pour assister aux sessions, situées (lorsque l’agenda politique le permet), devant le Victoria Memorial dans le quartier du Maidan, au bord du fleuve Hooghly qui traverse la ville principale du Bengale-Occidental. Alors qu’il a été reporté pour cause de Covid, c’est néanmoins un soulagement et une joie de pouvoir enfin l’accueillir pour son organisatrice Malavika Banerjee, après deux ans de sessions à distance. Le festival littéraire de la ville, vieux de dix ans cette année, peut enfin afficher complet et se tenir en présence d’un public fidèle. Deuxième plus grand festival littéraire d’Inde après celui de Jaipur, le Kolkata Literary Meet, soutenu par la multinationale indienne Tata Steel, s’étend sur une semaine et s’adresse à un public bengali féru de culture et d’art. Une vivacité néanmoins loin, si l’on en croit les échos des aînés, de l’activité intellectuelle que connut la ville dans les années 1970 où des auteurs, artistes et penseurs tel le fameux cinéaste Satyajit Ray se réunissaient régulièrement à l’occasion d’addas, discussions intellectuelles informelles au coeur de la sociabilité bengali.
C’est la sixième fois que je viens en Inde et je pense toujours que ce sera la dernière. J’avais le même sentiment en novembre dernier lorsque, avec l’économiste du développement, professeur au MIT et Prix Nobel d’économie 2019 Abhijit Vinayak Banerjee, nous sommes venus faire la promotion d’un livre de cuisine qu’il a écrit et que j’ai illustré. Ayant vécu avec lui et son épouse et collaboratrice Esther Duflo (également professeure d’économie au MIT et Prix Nobel d’Économie 2019) avant, pendant et après le prix Nobel, j’ai pu non seulement goûter à sa cuisine mais également en apprendre les techniques, dont de nombreuses recettes indiennes. S’il a toujours eu tendance à insérer un fil littéraire dans l’écriture économique, la consécration du Nobel dans sa discipline a probablement ouvert la porte à d’autres projets, d’autres voies d’écriture en marge. Ayant commencé à noter ses recettes à la demande de son beau-frère, Abhijit a rapidement trouvé l’exercice ennuyeux et a voulu ajouter une dimension narrative et dramatique à une tâche qui autrement peut vite devenir mécanique. Au fil des années, la liste s’est allongée jusqu’à obtenir la consistance d’un livre potentiel. A la première lecture du manuscrit, ma sensibilité pour les histoires s’est immédiatement tournée vers le réseau de scènes et de personnages qui, sans être particulièrement définis ou intentionnellement corrélés, émergeaient des courtes introductions précédant chaque recette. Sous l’insistance de Chiki Sarkar, à la tête de la maison d’édition indienne Juggernaut fondée en 2015 et éditrice des autres livres en économie d’ Abhijit Banerjee, ce premier matériau brut devait encore être travaillé pour devenir un ouvrage cohérent.
Il nous semblait à toutes les deux qu’au texte manquait la présence d’ Abhijit en tant qu’économiste et chercheur en sciences sociales. Une dimension qu’il n’avait pas encore envisagée mais dont le livre ne pourrait faire l’économie étant donné sa notoriété. Je détaillerai dans un autre article le processus de rédaction de cette dimension supplémentaire, le travail de conception des illustrations que j’ai effectué à partir de l’acte de cuisiner, le travail de design du livre en collaboration avec la designer et typographe Kriti Monga (à la tête du studio de design Turmeric Design et partenaire de Quick Brown Fox Design, l’un des studio les plus réputés en Inde), les références et réactions à l’omniprésence des photographies dans les livres de cuisine et enfin les stratégies commerciales et promotionnelles qui ont été mises en place par l’éditrice indienne lors de ce voyage en novembre.
Après la publication du livre, nous avons très vite été invités à venir le présenter au Jaipur Literature Festival, au Kolkata Literary Meet, à l’ Hyderabadi Literature Festival ainsi qu’au Kerala Literature Festival. La vague de Covid- 19 début janvier 2022 a forcé le report des deux premiers évènements à la mi-mars. Nous avons participé à la version en ligne de l’Hyderabadi Festival, modéré par le professeur à l’université d’Hyderabad Vijay Kumar Tadakamalla, tandis que le Kerala Literature Festival a été reporté à l’année prochaine. Nous voici donc à Jaipur, New Delhi et Kolkata pour ces évènements.
Jaipur
Après un court arrêt à New Delhi, nous arrivons à Jaipur, capitale du Rajasthan, l’État indien situé à l’extrême ouest, à 45 minutes en avion de la capitale. A peine arrivés dans la ville rose, nous déposons nos bagages à l’hôtel réservé pour l’événement et filons au nord de la ville, dans l’ancienne ville fortifiée où se trouve le fort Amer, chef d’œuvre d’architecture Rajput et Moghole inscrit au patrimoine mondial de l’UNESCO. J’ai insisté pour visiter le musée Anokhi, une marque de vêtements aux motifs imprimés selon la technique traditionnelle locale d’impression xylographique sur tissu.
Le musée lui-même se trouve dans un havelî restauré, demeure typique rajasthani centré autour d’une cour intérieure. Le musée retrace l’histoire de la technique ainsi que les différents styles de motifs et les étapes de production. Nous n’avons pas le temps de lire toutes les informations et nous nous concentrons sur les tissus exposés ainsi que sur l’atelier d’impression proposé. Je tente de retrouver les gestes appris dans les ateliers de l’école Estienne mais la technique est essentiellement manuelle. Chaque bloc de bois gravé comporte une élévation permettant de le tenir en place et correspond à une couche de couleur. L’artisan commence par tremper le bloc dans un bac dont le fond en tissu absorbe l’encre, et vient ensuite caler le motif sur le tissu en le plaçant sur un seul côté. Une fois assuré, il l’ abaisse pour couvrir entièrement le tissu et adresse un coup sec sur le bloc avec son autre main, avant de le relever immédiatement. L’impression se fait sur une table recouverte d’un tissu lui-même palimpseste des motifs précédents.
Avant de partir, je cherche dans la boutique un catalogue qui me permette de lire au calme toutes les informations accumulées. Je découvre avec plaisir une série de petits livres à couverture souple qui non seulement précisent les différentes variations régionales de la technique mais contiennent également de véritables échantillons de textiles imprimés! J’achète un pan de tissu à motif géométrique repéré sur un mannequin afin de le faire coudre à mon retour.
Nous retrouvons dans le hall de l’hôtel un ami d’ Abhijit. Le chirurgien vasculaire, écrivain et essayiste Ambarish Satwik est venu présenter un essai sur le nu médical, une catégorie distincte du nu artistique idéalisé à la vue de tous et de la banale nudité restreinte au regard intérieur. Le nu médical, qu’il scinde entre le scriptural, le cadavérique et le clinique, présente un regard pénétrant le corps jusque dans ses moindres replis à la fontière ténue avec la pornographie. Un regard que la science porte sur le corps humain proche du regard développé par le dessinateur lorsqu’il doit objectiver et disséquer au crayon bien taillé les différentes parties d’un modèle vivant. Mais si le chirurgien cherche l’anomalie physiologique ou bien l’exactitude scientifique et le dessinateur les lignes parfaites d’une silhouette, il me semble que le regard de l’illustrateur se penche plutôt sur la façon dont la posture est imbibée de culture, dont chaque courbe est polie au contact d’une manière d’être et de vivre ensemble dans un lieu donné. Ambarish me recommande le livre Invisible Empire de Pranay Lal, qui retrace l’histoire naturelle des virus. Plutôt d’actualité en ces temps masqués, le livre m’intéresse en particulier pour la place qu’il accorde aux illustrations, leur importance dans la représentation de l’invisible mais également la dimension esthétique qu’elle apporte à la recherche scientifique.
Le dîner a lieu dans l’enceinte de l’Amer Fort, sur les hauteurs de la ville. J’y rencontre Devapriya Roy, la modératrice de notre session du lendemain. Professeure de littérature anglaise à l’université Ashoka de New Delhi, elle est également autrice d’un livre autobiographique sur un voyage à travers l’Inde et d’une biographie de l’ancienne premier ministre indienne Indira Gandhi, réalisée avec l’illustratrice Priya Kuriyan.
Le lendemain, nous arrivons à 10h au festival, situé en dehors de la ville à l’hôtel Clarks Amer. La présence d’ Abhijit attire une foule d’admirateurs et nous nous glissons jusqu’à l’espace des auteurs jusqu’à notre session de 11h. Les questions alternent entre des remarques précises sur la cuisine (indienne et plus spécifiquement bengali) mais également sur les questions soulevées par le livre, tant dans son élaboration que dans son articulation avec le travail d’ Abhijit sur le développement humain et la pauvreté. Le but est de garder un ton léger qui corresponde à celui du livre tout en évoquant les nombreuses dimensions économiques, politiques, idéologiques, historiques et sociales que le thème de la cuisine et de la nourriture en général peut générer, notamment dans le contexte actuel. La ligne directrice du livre consiste à rappeler que même dans les moments les plus difficiles, la nourriture et l’acte social de cuisiner et de recevoir est une source de plaisir, de joie et de cohésion sociale. Abhijit rappelle qu’une partie de son travail sur la pauvreté s’intéresse à l’alimentation et montre que le goût et le plaisir tiré de la nourriture est bien souvent plus important que son apport nutritionnel. Nous avons effectué une vingtaine d’interviews pour la presse indienne et pour d’autres médias à propos du livre, qui ont été largement diffusées lors de sa publication en novembre. Le ton de la session est donc plutôt léger, notamment à l’approche du déjeuner.
Je reçois principalement des questions sur la nature abstraite de la majorité des illustrations du livre. L’attention se porte en particulier sur le fait que, malgré l’abstraction pure des motifs qui accompagnent chaque recette, il est encore possible de reconnaître le plat évoqué. J’en profite pour aborder une ligne que je souhaite tracer plus finement, dans une abstraction pensée comme un processus de réduction et moins comme un aboutissement en soi, un état abstrait. Cette distinction entre l’abstrait et l’abstraction m’a été rappelée à la lecture du catalogue Elles font l’abstraction, publié à l’issue d’une exposition sur les artistes femmes et l’abstraction au XXe siècle au Centre Pompidou en 2021. Les questions portent également sur le contexte de création des illustrations et notre processus de collaboration pour ce livre. En effet, j’ai vécu trois ans avec Abhijit Banerjee, Esther Duflo et leurs enfants à Boston. J’ai aidé pour les repas et demandé à Abhijit de m’apprendre à cuisiner. Progressivement, j’ai pris en charge la préparation puis la planification des repas et enfin la création des plats. J’ai moi-même testé la plupart des recettes présentes dans le livre uniquement à partir de la lecture du texte, afin de pouvoir corriger les erreurs d’indications ou de dosage dans le manuscrit. La relation entre l’illustration, le texte et la réalité a donc été très étroite. J’ai pu ainsi baser mes images sur une pratique de la cuisine décrite dans le livre mais également sur une connaissance intime et manuelle du matériau à illustrer. Les scènes sociales représentées dans le livre sont inspirées par mon expérience directe de la vie quotidienne avec l’auteur tandis que les images se focalisant sur des parties du corps proviennent de l’observation répétée des gestes d’ Abhijit. Il me semble que c’est cette connaissance profonde et progressive du sujet qui a naturellement donné une profondeur au travail d’illustration, grâce à laquelle j’ai pu paradoxalement me détacher de la ressemblance avec l’objet. En quelque sorte, le réalisme est utile pour appréhender la surface de choses que l’on ne connaît pas bien ou encore peu. Au contraire, une figuration plus simplifiée cherche à s’éloigner de la réalité qu’elle connaît trop bien afin d’éviter la redondance.
Le lendemain matin, nous visitons le Jantar Mantar, un observatoire astronomique au centre de Jaipur datant du 18ème siècle et classé lui aussi au patrimoine mondial de l’UNESCO. Le complexe est constitué d’une série de 17 instruments astronomiques dont les volumes géométriques sont accentués ce matin-là par une lumière rasante.
Delhi
A peine arrivés dans la capitale, nous nous promenons au Lodi Garden, le parc principal de Delhi qui date du XVIIe siècle sous les Lodis, régnant alors sur le nord de l’Inde. Au centre du jardin sont situés trois monuments: la mosquée Bara Gumbad, la tombe Sheesh Gumbad et la tombe de Sikandar Lodi. Nous admirons les détails formels du répertoire de formes hindoues, probablement le seul connu par les artisans engagés par le souverain, au sein d’une architecture moghole à la structure carrée ou orthogonale. Abhijit est régulièrement arrêté par des étudiants enthousiastes pour un selfie.
Le lendemain, nous rendons visite au styliste Suket Dhir, dont le travail a été récompensé en 2015 par le prestigieux Prix International Woolmark. Il a réalisé le dhoti, un vêtement masculin formé d’une pièce unique de tissu drapé et noué autour de la taille, que portait Abhijit pour la cérémonie du Prix Nobel en 2019. S’il accorde une grande importance aux techniques traditionnelles, une partie de son travail récent mêle des motifs de bande dessinée imprimés sur tissu. Il nous montre les croquis préparatoires de corps humains qu’il fait réaliser par un illustrateur scientifique et auquel il ajoute un répertoire personnel de motifs végétaux et animaux qui lui sont chers comme le perroquet ou la mangue. Il a à cœur de mêler le traditionnel et le moderne, en utilisant par exemple des figures de maharajas sur des segways ou des figures mythologiques hindoues portant des écouteurs. Les motifs sont ensuite réalisés sur illustrator par des assistants afin de pouvoir les déployer sur différentes tailles et formats de vêtements. Ils sont souvent recouverts d’autres motifs décoratifs et de brocarts. Chaque nouvelle série illustrée répond à la précédente et semble faire partie d’une narration continue dans un jeu ouvert d’échos au sein d’une mythologie personnelle. En remerciement de ces explications, je lui offre une interprétation dans mon langage visuel d’un thème qu’il explore en ce moment.
Nous faisons une tournée de signatures dans plusieurs librairies de Khan Market, la rue marchande au cœur de Delhi. Nous signons plusieurs livres à l’avance et ceux des personnes venues pour l’occasion. Je n’apprécie pas particulièrement l’exercice, qui rompt avec mon expérience des signatures lors de festivals d’illustration ou de bande dessinée où l’on prend le temps de discuter en réalisant le dessin. Mais la notoriété d’ Abhijit, le volume de livres à signer combiné à l’enthousiasme de certaines personnes ne permet pas vraiment ce genre d’interaction.
Nous visitons enfin les locaux de l’organisation J-PAL qu’il a cofondé au sein du MIT, dédiée à la mise en réseau de chercheurs en économie du développement et à l’évaluation de politiques publiques. C’est Holi, la fête de la couleur. Après un concours de chant et de consommation de Pani Puri (un snack formé d’un beignet de semoule que l’on remplit d’une sauce épicée tamarin et d’un mélange de petits pois et de pommes de terre), nous finissons bien décorés de poudre colorée.
Kolkata
Nous arrivons le 18 mars à Kolkata, où nous sommes accueillis par une délégation du gouvernement, déployée pour nous escorter sans discrétion jusque chez la mère d’ Abhijit . L’agent du gouvernement chargé de l’accueil à l’aéroport s’appelle Saumen Khamrui et nous montre son travail, qu’il va exposer en janvier à la prestigieuse galerie Jehangir de Mumbai. Diplômée du Collège Gouvernemental d’Artisanat de la ville de Kolkata, il s’occupe en parallèle de sa création des affaires culturelles pour le Gouvernement du Bengal Occidental et anime de nombreux ateliers. J’aime beaucoup son travail géométrique.
Nous partons nous balader autour du lac de Kolkata situé au sud de la ville, dans lequel les amoureux se bécotent sur les bancs publics.
Roanna Rahman est une artiste et vidéaste indépendante ayant notamment travaillé avec des ONG sur des projets de développement. Elle vient pour filmer un projet entre bande dessinée et économie que réalise Abhijit avec l’auteur bengali Sarnath Banerjee, basé à Berlin. Il s’agit d’une série de 3 vidéos liées au problème de l’eau en Inde. Composées à partir d’un mélange entre une vidéo d’ Abhijit récitant un texte et des animations créées par Sarnath, elles mêlent fiction, économie et histoire. J’ai moi-même aidé à tourner les premiers essais mais le cadre ainsi que la récitation posaient encore problème et nécessitaient une intervention professionnelle. Le résultat est bien plus satisfaisant dans la chambre de sa mère, sur fond d’oiseaux tropicaux nichés dans les tours en décomposition du sud de la ville.
Nous nous promenons dans le nord de la ville où nous marchons au milieu des ateliers d’ artisans, auteurs des impressionnantes sculptures réalisées pour les différentes fêtes (Pujas) qui rythment l’année. Si j’avais pu en voir quelques-unes lors de Kali Puja (en l’honneur de la déesse Kali) en novembre dernier, la plus connue et exubérante à Kolkata reste Durga Puja au mois d’ octobre, que j’espère voir un jour.
Abhijit me propose de réaliser quelques dessins de vêtements à partir du tissu acheté chez Anokhi et de khadis (tissus filés à la main) achetés au Gariahat Market. J’ai toujours été intéressée par le stylisme mais au moment de tracer les premières lignes, je me rends compte que je n’ai pas les clés techniques et logiques suffisantes. Je tente tout de même d’appliquer quelques principes que j’utilise dans mes dessins dans la réalisation de croquis préparatoires. 
Intriguée par mon travail, la mère d’ Abhijit me demande alors de transformer ses vieux saris en tuniques et kurtas. Je pratique un peu plus et soumet mes croquis à son regard critique. Elle me demande également de transformer deux châles en soie en robe et chemise pour ses petits enfants. Je prends l’exercice au sérieux et m’applique à chercher le meilleur moyen de placer les motifs existants.
Après deux jours à Budge Budge dans un village proche du fleuve Hooghly, nous revenons à temps pour participer à notre session au Kolkata Literary Meet. Elle se déroule avec l’humoriste bengali Anuvab Pal, qui nous a déjà interviewé. Le ton est à nouveau très léger et tourne autour des nombreux stéréotypes bengalis et de la cuisine régionale indienne. Je suis à nouveau interrogée sur la tension entre abstraction et figuration mais également sur les similitudes françaises et bengali dans l’attention portée au détail de la nourriture et sur les inspirations indiennes de mon vocabulaire visuel. Un participant m’interroge sur la dimension dramatique des scènes que je représente, proche d’un comic noir. Je réponds que c’est ce qui m’a attirée dans l’écriture du livre: mises bout à bout, les introductions de chaque recette présentent une galerie de personnages et de scènes qui, sans être clairement connectées, proposent une dramatisation que j’ai souhaité mettre en valeur, afin de déplacer le regard de la simple représentation de la nourriture, déjà omniprésente et poussée jusqu’à l’écoeurement dans de nombreux livres de cuisine. Abhijit quitte l’Inde juste après notre session et je reste à Kolkata une semaine de plus.
Kolkata est l’ une des villes indiennes les plus agréables pour se promener. Ayant horreur de prendre le taxi (notamment en pleine nuit lorsqu’il me dépose à deux kilomètres de chez moi), je décide de déambuler le matin avant que la chaleur ne décourage toute excursion. Je me promène dans le quartier huppé de Ballygunge et prends mes marques.
J’en profite également pour me préparer à une autre session à laquelle Malavika Banerjee, l’organisatrice du Literary Meet Festival, m’a invitée. Elle se fait en collaboration avec l’auteur de bande dessinée Nicolas Wild, qui fait principalement de la BD reportage sur les pays en guerre. Il a notamment réalisé la BD Kaboul Disco, qui a été publiée en Inde grâce à l’entremise de l’autrice Amruta Patil rencontrée à Boston. La session est modérée par le professeur d’anglais, graphiste et illustrateur basé à Chandannagar Pinaki De. Créateur d’une centaine de couvertures de livres pour diverses maisons d’édition en Inde, il a également écrit en longueur sur le travail de graphiste et d’illustrateur du cinéaste bengali Satyajit Ray. Nous nous entendons immédiatement, notamment autour de la nécessité d’ouvrir le champ de recherche sur l’illustration en particulier, trop souvent comprise dans le travail de graphisme ou dans le champ de la BD. Après un doctorat sur la bande dessinée, il a codirigé la revue d’arts graphiques Longform et a rédigé de nombreux essais sur la bande dessinée et l’illustration. Nous abordons les détails techniques: je lui parle de ma méthode de séparation des couches de couleur afin d’obtenir une meilleure qualité d’impression et il me détaille la manière dont il ajuste son graphisme à la qualité de l’imprimeur choisi par l’éditeur, qu’il a appris à intégrer dans son processus de création. Nous discutons pendant trois heures avant de nous diriger vers la session, intitulée Sketches From France. Il est question principalement de parler de la scène de la bande dessinée et de l’illustration en France. Pinaki nous pose notamment des questions sur la place de Charlie Hebdo, l’importance des maisons d’édition indépendantes telle que L’Association, l’héritage controversé de Tintin (sur lequel il travaille avec ses étudiants) ainsi que sur nos méthodes de travail respectives. Je reçois une question inattendue sur l’importance de l’esthétique grunge et cyberpunk dans mes illustrations. Si la personne n’a clairement pas regardé mon travail, la réponse de Nicolas me rappelle que cette esthétique a pullulé dans mes carnets de terminale L et que je ne devrais pas la renier. Mon retour au Pays Basque sera un bon moment pour me replonger dans les archives de cette période.
Une performance de la danseuse et militante féministe Mallika Sarabhai, entre style Bharatanatyam classique et rap contemporain, clôt cette soirée en beauté et me laisse rêveuse quant aux ouvertures que cette rencontre a créé. Pinaki propose de m’envoyer des albums pour enfants russes des années 1920 qui ont été disséminés dans le Bengale communiste ainsi que des scans des travaux graphiques de Satyajit Ray. Il collabore régulièrement avec le directeur de la NID, l’école Nationale de Design la plus prestigieuse d’Inde, située à Ahmedabad. Ce serait peut-être l’occasion d’y aller un jour… Je lui propose de mon côté de faire le lien avec les deux groupes de recherche dont je fais partie en France, afin de faire mieux faire connaître la bande dessinée et l’illustration indienne.
Je rencontre le lendemain matin le journaliste Chintan Modi dans l’un des nombreux cafés à la mode de Ballygunge. Enseignant dans le primaire, il m’explique comment il utilise des vidéos d’animation afin de créer un support de discussion sur les relations indo-pakistanaises auprès des jeunes enfants.
Le lendemain matin, je décide de partir dans la ville de bonne heure afin de lancer le projet qui me tient à cœur depuis ma dernière visite: celui de commencer une typologie des grilles et grillages dans la ville de Kolkata. Je suis largement inspirée du travail de Frederic Lefever sur les frontons basques. Les subtiles variations de formes (géométriques), de couleurs et de dispositions me semblent fournir un répertoire fascinant, qui ne cesse d’attirer mon regard lors de mes déambulations, au risque de ne pas voir les scooters et autres touk-touks qui pourraient bien me faucher au passage. Aidée de mon smartphone dont l’appareil photo est réglé sur un format carré, je commence ma collecte. Si les grilles intéressantes ne manquent pas, mon choix est contraint par la présence ou non d’un public particulièrement intrigué pour qui je ne passe déjà pas inaperçue. Je tente de capter le minimum d’éléments personnels tels que des noms et adresses précises afin de respecter les habitants, ce qui contraint la prise de vue. Mon attention est particulièrement portée sur les superpositions de grilles existantes, ou les superpositions des grilles et des fils électriques que je ne peux évacuer du cadre. Les grilles sont réparties entres: grilles de fenêtres, portes, portails, climatisations, escaliers et balcons. Au-delà de la géométrie de la grille elle-même, je tente également de créer une composition photographique équilibrée. Je suis plutôt satisfaite de la série, étendue sur les quartiers sud de Gariahat, Ballygunge, Ekdalia, Paddapukur et Bakul Bagan.
Je suis invitée l’après-midi à venir voir la collection de Bulai Gargi Gupta, fille de Radha Prasad Gupta (1921-2000). Bibliophile, écrivain et collectionneur bengali, il était au cœur des fameuses Adda dans le Kolkata des années 1960, cette forme particulière de discussion intellectuelle animée et principalement masculine. Sa fille me montre la collection dans la chaleur étouffante de son salon. Divisée en trois parties, elle est tout d’abord composée de lithographies et de sérigraphies représentant des scènes et personnages des grandes épopées indiennes que sont le Mahabharata et le Ramayana. Elles proviennent en particulier de l’atelier d’impression du peintre Ravi Varma, le Ravi Varma Press, actif dans la première moitié du XXème siècle. On retrouve plusieurs fois la même image.
Il s’agissait d’images volantes populaires, destinées à être affichées et visibles dans les endroits mi-privés, mi-publics qui peuplent les trottoirs de la ville.
Une deuxième série présente des peintures originales. Ce sont des Kalighat pat (prononcer “pote”) du nom du temple Kalighat dans l’ouest de Kolkata. Produites au XIXe comme images souvenirs pour les visiteurs du temple dédié à la déesse Kali, les peintures kalighat ont évolué pour devenir l’une des formes de la peinture indienne. Le style est caractérisé par son économie formelle: les aplats de couleurs vives sont généreusement entourés par de larges traits contours au pinceau, les ombres sont placées de manière irréalistes afin de créer des tensions dans une composition par ailleurs très dépouillée, ne figurant que les éléments rapidement compréhensibles et efficaces de l’histoire. Ces peintures ont été réalisées sur un papier très fin puis contrecollées de manière plus ou moins heureuse sur des planches de cartons. Gargi m’indique que la production était traditionnellement divisée entre les hommes et les femmes: les premiers traçaient les contours tandis que les secondes peignaient les couleurs et les surfaces, de manière quasi industrielle (une femme par couleur!). 
Je me demande tout de même si ce principe s’applique de manière aussi rigide car certaines images ne seraient pas faisables de cette manière tant le contour et l’aplat semblent interreliés. Selon Lauren M.Slaughter, le style Kalighat serait une forme développée à partir de l’esthétique des rouleaux patuas bengalis, et non une intégration de l’esthétique anglaise comme ont pu le suggérer des recherches antérieures. Ces rouleaux narratifs et visuels étaient déroulés à l’occasion de performances itinérantes, accompagnés de récits et de chants par les patuas, une caste inférieure d’artisans bengalis généralement originaires des campagnes. Lorsque ces derniers sont arrivés à Kolkata, ils se sont alors installés dans les quartiers populaires et ont adaptés leur art à une plus grande demande. S’ils ont conservé de nombreux aspects de leur technique (comme le type de pigment ou encore la rondeur exacerbée des formes), ils ont cependant rationalisé la production de leurs illustrations. La série d’originaux comporte une partie reprenant des motifs narratifs issus du Mahabharata ou du Ramayana que Gargi me décrit au fur et à mesure que je déploie délicatement les documents.Réagissant à l’européanisation de l’art apprécié des élites indiennes, les patuas se sont fait les relais des visions et avis populaires sur les changements à l’oeuvre dans la société bengali de l’époque. Destinés à un public majoritairement illettré, les images se devaient d’être visuellement efficaces et directes. Leur lecture était simplifiée par la familiarité du public avec les grandes épopées ou au contraire avec la vie quotidienne du quartier.
Une seconde partie présente au contraire des scènes de la vie de tous les jours, principalement centrées sur des affaires d’adultère de la communauté, faisant référence à des épisodes probablement connus des locaux et des affaires courantes. L’illustrateur se fait alors observateur des moeurs sociaux d’un important centre urbain en pleine mutation.Il fait une chaleur intense, je dois essuyer mes mains humides pour ne pas tacher les planches.
D’ordinaire, Gargi ne montre pas les originaux et propose des impressions à consulter. Je suis privilégiée. Elle me propose enfin de farfouiller dans une dernière malle où je trouve des sérigraphies représentant des figures d’histoire naturelle (des planches animalières principalement) mais aussi des illustrations de journaux du début du XXe siècle. Le déjeuner est prêt, je vide littéralement le stock de Poshto Bora (des petites galettes de graines de pavot) qu’elle a préparé avec un chutney de tomates et noix de cajou.
Nous sommes invitées le lendemain à rencontrer une amie de la mère d’ Abhijit dont le mari Deben Bhattacharya était un collectionneur de musique folklorique. Elle a vécu à Paris et nous parlons majoritairement en français. Son mari a effectué un voyage dans les années 1950 depuis Paris jusqu’à Calcutta dans le but de collecter des musiques, chants et instruments locaux. Elle me montre la couverture du livre intitulé Paris to Calcutta, Men and Music on The Desert Road édité par l’éditeur américain spécialisé dans l’édition musicale Sublime Frequencies.
Je termine avec nostalgie mon séjour avec trois dosas, mon plat préféré. Il s’agit d’une crêpe à base de riz et de lentilles fermentés originaire d’Inde du sud que l’on mange avec divers chutney à la coriandre et à la coco et accompagnée d’un sambar, une soupe à la tomate aromatisée. Même si la recette n’y figure pas, j’achète le livre Travels Through South Indian Kitchens écrit et illustré par l’architecte Nao Saito, venue en résidence dans la fabuleuse maison d’édition Tara Books basée à Chennai.
Le dernier jour, Lisa Ho, doctorante au MIT sous la direction d’Esther et Abhijit, vient me chercher pour m’emmener dans une organisation appelée la Calcutta Foundation, fondée il y a 25 ans dans la région de Kolkata. Lisa Ho poursuit sa thèse sur l’accès à l’emploi des femmes. L’organisation aide à identifier et recruter des participantes pour l’expérience, à qui seront donnés des téléphones portables munis d’une application sur laquelle elles pourront enregistrer des mots dans leur langue naturelle afin d’améliorer les logiciels de reconnaissance vocale de Microsoft. Lisa Ho s’intéresse particulièrement à la manière dont ce micro-travail affecte la vie des femmes et leur permet d’accéder à l’emploi à travers une compétence qui leur est naturellement accessible. Elle regarde notamment la manière dont elles gèrent cette activité par rapport à leurs maris, leurs enfants et selon le degré de flexibilité qui leur convient. Le projet en est encore à ses débuts et j’assiste aux discussions avec les femmes de la Calcutta Foundation. Elles évoquent les petits détails pratiques mais essentiels pour la bonne tenue du projet: obtenir la confiance des participantes, gérer la location de bureaux pour inviter les femmes à venir y travailler, etc. Lisa Ho me montre également le design de son expérience, parfaitement symétrique. J’avais demandé à Abhijit et Esther de pouvoir rencontrer leurs collaborateurs afin de mieux comprendre le cœur de leurs expériences sur le terrain et ainsi améliorer mon travail d’illustration dans le cadre de la série d’albums pour enfants que je réalise avec Esther Duflo.
Je reprends l’avion le lendemain, de retour vers la réalité et le travail que j’ai quelque peu laissé de côté. Je suis dès le lendemain à pied levé au Seuil Jeunesse, afin d’observer les corrections des premiers albums prêts à être imprimés. Mes yeux, grands ouverts par cet incroyable voyage et enrichis de mille nouveaux motifs, peuvent alors partir à la chasse aux pétouilles dans la pièce close d’un immeuble parisien.
1- Définition de – littéra sur la wiktionnaire. https://fr.wiktionary.org/w/index.php?title=littera&oldid=28504556.
2- Site web du Kolkata Literary Meet. https://kolkatalitmeet.in/2022/.
3- Sen, Debarati (2011) “Speech Genres and Identity: The Place of Adda in Bengali Cultural Discourse,” Journal of Emerging Knowledge on Emerging Markets: Vol. 3, Article 30.
4- Banerjee, Abhijit, Olivier, Cheyenne. Cooking To Save Your Life. New Delhi: Juggernaut, 2021.
5- Site web de la maison d’édition indienne Juggernaut. https://www.juggernaut.in/.
6- Site web de Kriti Monga. https://www.kritimonga.com.
7- Site web du studio Turmeric design de Kriti Monga. http://www.turmericdesign.com.
8- Site web du collectif Quick Brown Fox. https://quickbrownfox.in/.
9- Site web de la marque de textile Anokhi. https://www.anokhi.com/.
10- Lal, Pranay. Invisible Empire: The Natural History of Viruses. Gurugram, Haryana, India: India Viking, 2022.
11- Roy, Devapriya, et Priya Kuriyan. Indira. Chennai: Context, 2018.
12- Banerjee, Abhijit V., et Esther Duflo. Repenser la pauvreté. Traduit par Julie Maistre. 1 vol. Points 737. Paris: Points, 2014.
13- Centre national d’art et de culture Georges Pompidou, et Museo Guggenheim. Elles font l’abstraction : [album de] l’exposition, [Paris, Centre Pompidou, Musée national d’art moderne, Galerie 1, 5 mai-23 août 2021, Bilbao, Musée Guggenheim Bilbao, 22 octobre 2021-27 février 2022]. 1 vol. Paris: Éditions du Centre Pompidou, 2021.
14- Site web du styliste Suket Dhir. https://www.suketdhir.com/.
15- Abdul Latif Jameel Poverty Action Lab (J-PAL). https://www.povertyactionlab.org/fr.
16- Archives de Saumen Khamrui à la galerie Janus Art de Mumbai. https://www.janusartgallery.com/artist/saumen-khamrui/.
17- Site web de Roanna Rahman. https://cargocollective.com/roannarahman.
18- Site web de Sarnath Banerjee. https://www.instagram.com/sarnathbanerjee/.
19- Anuvab Pal. Abhijit Banerjee and Anuvab Pal on Biryani, Mishti and More!, 2021. https://www.youtube.com/watch?v=UGcMdP9yrjs.
20- Wild, Nicolas. Kaboul disco. Contre-coeur. Antony: la Boîte à bulles, 2008.
21- Site web d’Amruta Patil https://amrutapatil.wordpress.com/.
22- Site web de Pinaki De. http://pinakide.blogspot.com/.
23- Kolkata Literary Meet. Sketches from France: Nicolas Wild, Cheyenne Olivier discuss the illustrated narrative and cartoon, 2022. https://www.youtube.com/watch?v=dcR6XxSbxLw.
24- Nina Sabnani. The Stitches Speak (tanko bole chhe), 2019. https://www.youtube.com/watch?v=CfjReP7SlnA.
25- Lefever, Frédéric, Jean-Paul Callède, Iñigo de Satrústegui, et Claire Jacquet. Frontons. 1 vol. Bordeaux: Éditions Confluences FRAC Aquitaine, 2016.
26- Bhattacharya, Deben. PARIS to CALCUTTA – Men and Music on The Desert Road. SublimeFrequencies. https://www.sublimefrequencies.com/products/625798-deben-bhattacharya-paris-to-calcutta-men-and-music-on-the-desert-road.
27- Saito, Nao. Travels Through South Indian Kitchens. Chennai: Tara Publishing, 2018.
28- Site web de la maison d’édition basée à Chennai Tara books. https://tarabooks.com/.
29- Site web de la Calcutta Foundation. https://www.calcuttafoundation.com.
30- Zunigo, Xavier (2007). « Visiter les pauvres »: Sur les ambiguïtés d’une pratique humanitaire et caritative à Calcutta. Actes de la recherche en sciences sociales, 170, 102-109. https://doi.org/10.3917/arss.170.0102
31- Slaughter, Lauren M. ‘Reclaiming the Indigenous Style of Kalighat Paintings.’ Chrestomathy: Annual Review of Undergraduate Research, School of Humanities and Social Sciences 11 (2012): 242–258.